HiperKaos

Andy Warhol, a origem do hoje

2010-06-15T06:36:00.000-07:00

Nathália de Alcantara

Revolução na pop art. É assim que se chama a divisão entre o antes e o depois do movimento sob influência do artista plástico Andy Warhol. A origem da transformação da arte contemporânea, que se vê em muros, nas ruas, nos meios de comunicação e livros, teve início nos anos 60, quando o artista desafiou noções preconcebidas sobre a natureza da arte e utilizou técnicas de produção de massa para derrubar o muro entre a arte e a cultura popular da época. No século XXI, permanece a influência do artista americano.

Acompanhada por um antenado na cultura pop, resolvi me arriscar, em pleno sábado, na Pinacoteca, em São Paulo, para conhecer a obra de Andy Warhol. Sem ter ideia do que encontraria pela frente, como um bom fruto da década de 90 eu resolvi consultar o Google para me preparar e fazer caras e bocas diante das obras.

“A VIDA NÃO É UMA SÉRIE DE IMAGENS QUE MUDAM À MEDIDA QUE ELAS SE REPETEM?”

Descobri informações como que no ano de 1963, depois de ter a tela Eight Elvises avaliada em U$$ 100 milhões, Warhol foi relatado como “o termômetro do mercado da arte”, em artigo de 2009 no The Economist. Para se ter uma ideia, o valor corresponde à referência que Pablo Picasso atingiu. Apesar de todo o estranhamento diante das cores fortes e brilhantes e das tintas acrílicas, surgiu a curiosidade.

Chegando lá, encontrei pessoas com óculos estranhos, penteados diferentes, roupas que deviam significar algo para elas e muitos, mas muitos All Star. Nas paredes, fotografias das sopas Campbell, da garrafa de Coca-Cola, dos rostos de figuras icônicas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley e Che Guevara, todos coloridinhos e de muitos vídeos esquisitos. Foi aí que eu me dei conta de que lá não tinha lugar onde o tempo passasse mais rápido. Eram somente o banheiro, um bebedouro, alguns lances de escada e frases na parede, como “Eu amo Los Angeles. Eu amo Hollywood. Eles são lindos. Todo mundo é feito de plástico, mas eu amo plástico. Eu quero ser de plástico”. E a exposição não era da Lady Gaga.

“NO FUTURO, QUALQUER UM SERÁ FAMOSO POR QUINZE MINUTOS”

Ao que me parece, a transformação da arte contemporânea é complexa demais para se entender diante de obras deixadas por uma pessoa que, sem legendas nas fotos, pode ser retratada como um cientista maluco. Ainda mais quando você não viveu, não estudou e nem procurou saber sobre o assunto.

Eu me esforcei. Não me dei por vencida e resolvi dar mais uma chance para o artista, que já não tem mais como responder às minhas dúvidas ou justificar sua obra. Obviamente, o pensamento que tomou conta da minha cabeça foi antes de ver sacos plásticos prateados flutuando em direção ao teto, que era protegido por redes. Cercada de pessoas admiradas e hipnotizadas com a imagem, denominada Silver Clouds, não me veio nada à cabeça.

“MORRER É A COISA MAIS CONSTRANGEDORA QUE PODE ACONTECER COM VOCÊ, PORQUE ALGUÉM TEM QUE CUIDAR DE TODOS OS SEUS DETALHES”

Confesso que fiquei inquieta. Queria saber mais sobre o artista em questão. Não pelo que vi na exposição, mas por observar a reação de todos que se encontravam ao meu redor, sem exceção. Sendo assim, algumas explicações hoje fazem sentido. Mas eu jamais saberei se foi mesmo a intenção de Warhol.

Tamanha é a influência do artista que, na costa norte de Pittsburgh, existe o Warhol Museum, como meio de manter a interação criativa entre a arte e a vida de Andy Warhol. Lá, está acomodada permanentemente uma coleção composta por mais de 12 mil obras de arte, o que inclui pinturas, desenhos, gravuras, fotografias, esculturas, filmes, fitas de vídeo e um arquivo extenso, registros de material de origem para as obras de arte e outros documentos da vida do artista.

“A coleção não é apenas um recurso para investigação e estudo, mas uma base para a inspiração criativa, o que representa um elo entre o passado e o futuro, a cultura e o processo artístico”, disse Warhol. Anos mais tarde, a frase se tornaria epígrafe para o seu Instituto em Pittsburgh.

Com conceitos da publicidade em suas obras, desde 1987 existe uma fundação em memória de Warhol, que apresenta o trabalho do artista para o público ao emprestar mais de 10 mil obras de seu acervo diversificado para mais de 200 exposições no mundo inteiro. Essas obras incluem pinturas, esculturas, desenhos, fotografias e gravuras a partir de 1950.

Acredito que encontrei a justificativa para os sacos plásticos prateados. Pode ser uma referência à viagem espacial realizada nos anos 60 e tenha despertado, ainda que por alguns segundos, a vontade de voar. Depois de ler e buscar a respeito de Andy, preciso reconhecer sua importância para a época - qualquer época -, independentemente da minha opinião. Ou, como colocaria Warhol, “dizem que o tempo muda as coisas, mas é você quem tem de mudá-las”.

Sertanejo deixou o interior

2010-06-15T05:12:00.000-07:00

O público do sertanejo Universitário aumentou muito nos últimos tempos. Antes, quando se falava em sertanejo , as pessoas já olhavam com cara feia . Mas isso mudou, pessoas que olhavam torto para o ritmo sertanejo hoje até freqüentam espaços que tem esse tipo de música. Um exemplo foi o Itanhaém Rodeo Festival http://www.itanhaemrodeofestival.com/ o maior rodeio em praia do Brasil.

Mas o que é esse novo sertanejo? É um estilo mais agradável de escutar, as batidas são mais agitadas, os arranjos com predominância de instrumentos acústicos, com teclado, bateria várias backing vocal e tem o resgate do acordeon. As letras das músicas relatam o cotidiano amoroso como um amor perdido, casos de traição, de um amor que está longe, superação desse amor, ou seja, temas bem atuais, pelos quais passamos algum dia.

Antes, o sertanejo era “de raiz” e se resumia a voz e violão, cantado por duplas que se apresentavam no interior. Hoje, com o sertanejo universitário, as coisas mudaram. Existe uma grande produção atrás de uma dupla sertaneja. Por isso, é muito mais fácil fazer sucesso. As músicas do sertanejo universitário são feitas para vender CDs e as chamadas músicas “de raiz” eram para apreciar a ‘moda de viola’. Veja a diferença entre a música de Milionário e José Rico e o sertanejo de Luan Santana. A batida do jovem é bem mais rápida e animada.

As duplas sertanejas do estilo universitário fazem bastante sucesso. São elas: João Bosco e Vinicius, Guilherme e Santiago, Jorge e Mateus, Maria Cecília e Rodolfo. O nome da música sertaneja que está em alta é Luan Santana, que foi a revelação de 2010. Ele ganha 50 mil reais por show.

Todos esses artistas resgatam músicas de raiz. A clássica Loira do cavalo branco, da dupla Milionário e José Rico, foi regravada por Luan.

Já a dupla Maria Cecília e Rodolfo cantam Nuvem de Lagrimas , de autoria de Paulo Debétio e Paulinho Rezende. As duplas sertanejas começam a fazer sucesso no interior e depois vão para as grandes capitais. Para comprovar isso, podemos citar as rádios de Santos que tem horários dedicados ao estilo sertanejo. O programa Rodeio 104, da Rádio Guarujá FM, vai ao ar de segunda a sexta, das 07 às 09 e das 17 às 19 horas. Na Radio Tribuna FM é transmitido o Sertanejo Universitário, das 07 às 08 e depois a tarde da 17 às 18 horas. Nesse mesmo horário, a Cultura FM também dedica espaço ao sertanejo.

Essa tendência de “reciclar” a música sertaneja busca maior proximidade com o público mais jovem, fazendo com que o estilo não saia de moda. A nova sonoridade se assemelha ao country contemporâneo feito nos EUA, sobretudo pelo som eletrificado. O visual de caubói moderno, frequentador da vida social urbana e dotado de maior poder aquisitivo também representam a evolução do estilo. No Brasil, as músicas de raiz deram lugar ao novo sertanejo representado pelas duplas Chitãozinho e Xororó, Zezé Di Camargo e Luciano, um estilo mais comercial que emplacou nas décadas de 80 e 90 .

Com o sertanejo universitario não é diferente. As músicas são lindas, como por exemplo Sem esse coração, de João Bosco e Vinicius, E daí de Guilherme e Santiago, e Madrid, de Fernando e Sorocaba. Considero que cada estilo teve sua época. As músicas de raiz eram ouvidas somente no interior. Hoje o estilo universitario é mais urbano, mais abrangente. A música é feita para todos os públicos, mas quem realmente gosta são os mais jovens.

Para os que sabem e não sabem ler

2010-06-08T17:10:00.000-07:00

Está pensando em comprar um bom livro, que de preferência esteja em lançamento, mas ainda não sabe qual? Pois então se prepare, lá vai uma ótima pedida: “A menina que não sabia ler”. Sei que, a primeiro momento, o título não é nada animador e há muita ironia em ler algo de alguém que não sabia ler.

Mas, essa impressão ruim, é eliminada no primeiro capítulo da obra escrita por John Harding. Razoavelmente grosso, e nem poderia ser diferente com mais de 280 páginas, a menina que não sabia ler é uma história emocionante de uma órfã com seu irmãozinho, no fim do nada. De certa forma, é possível dizer que o livro é muito motivador, afinal relata a bravura de uma menina de 12 anos que venceu os preconceitos de sua época e em meio a restrições, encontra uma biblioteca e aprende a ler SOZINHA, os melhores livros do mundo. Os melhores mesmo, pois até Shakespeare é citado na lista de leituras da pequena Florence. Para aqueles que acreditam que a leitura é algo dispensável e monótono “a menina que não sabia ler” vem para desmistificar preconceitos e promover a constatação de que ler é mais do que um dom, é uma habilidade que pode e deve ser desenvolvida constantemente.

A linguagem é bem simples e objetiva. Algo de grande valia, já que o desenrolar da trama se dá forma emocionante. Não vou mentir que pensei em desistir na metade do livro, afinal o autor parecia que tinha ido dar a volta no mundo e se perdeu no espaço.

Mas, o final da obra guarda um desfecho surpreendente, em outras palavras, inimaginável.

Sou totalmente contra a propaganda enganosa, mas algo que garante a qualidade do livro é o fato de que o li em apenas três dias. Isso mesmo, 288 páginas em três dias. Simplesmente acordava lendo, dormia com o livro no colo, preferia ler a comer e nas poucas horas vagas, não escondia a ansiedade de saber como terminaria a obra. Pode acreditar, não consigo ler nem vinte minutos um livro entediante.

Para os fãs de suspense, aventura e ficção aí está uma excelente opção para as férias de julho. Não tem como comparar com outras obras, aliás, cada livro é único e especial. Corresponde a um momento ou fase que passamos e que não pode ser medido, muito menos comparado. Sou muito fã de Agatha Christie, e adoro ler e reler o Diário de Anne Frank. Também já tive a minha fase de Harry Potter e o Diário da Princesa, mas a menina que não sabia ler acabou superando as minhas expectativas e surpreendendo meu egocentrismo que apontava um livro com capa sem graça e conteúdo duvidoso, em questão de qualidade, é lógico.

Outro ponto que posso destacar sendo muito enfatizado na obra, além da importância da leitura, é o valor agregado à família. Esse foi um dos pontos chaves da história. O impacto de uma amizade, as consequências da super proteção fraterna e as dores do abandono familiar. Claro que tudo isso fica subtendido, mas para os mais observadores é algo bem perceptível.

Os ensinamentos tirados no término da leitura? É difícil enumerar, nem poderia, já que é algo tão subjetivo, pessoal, mas de certo vale a pena arriscar a mesada dos pais e o tempo vago de lazer nessa história que aviva a mente e prende a concentração.

Postado por Ingrid Rolemberg

A anticontracultura Straight Edge

2010-06-01T17:13:00.000-07:00

Fani Moraes

O Straight Edge, conhecido também como sXe ou SxE, é um modo de vida associado à música punk/hardcore. Essa subcultura defende a total abstinência de cigarro, álcool, drogas ilícitas e sexo promíscuo. Muitos sXe também viram vegetarianos, ou vegans.

Straight Edge pode ser definido como uma anticontracultura, um modo de vida, ou como uma forma de resistência, contra substâncias psicoativas, lícitas ou ilícitas. Viver desse modo também tem o seu lado desconfortável. É difícil não fazer o que a maioria da população faz. Por exemplo, quando um vegan straight edge vai a um churrasco ele não bebe, não fuma e não come carne. Ou seja, ele só consome o que pode comer e bebe água ou refrigerante.

Os Straight Edges discriminam quem não faz parte da sua cultura? Ou é ao contrário? A maioria das pessoas que são diferentes perante a sociedade é vítima de preconceito, ou é vista como estranha.

Os vegetarianos/vegans straight edges também têm problemas. Se estiverem de madrugada na rua e quiserem comer um lanche, vão encontrar dificuldades em achar algo que possam comer. A maioria dos salgados tem frango, presunto e outras coisas que essa tribo não come. O jeito é andar com comida, ou lanchinhos dentro da bolsa.

Existem muitas razões para uma pessoa escolher ser Straight Edge. Alguns usam esses princípios como um fundamento, pois creem que desta forma estarão mais envolvidos com a própria saúde física e mental. Existem também os que se identificam com o movimento por partilharem da opinião de que o uso de substâncias alteradoras do humor contribui para a anestesia política e a contenção da contestação.

O vocalista Ian MacKaye, da banda hardcore Minor Threat, de Washington, criou por volta de 1980 o termo Straight Edge, que além de ser o nome de uma música do grupo acabou virando o nome de um estilo musical.

Veja, a seguir, o vídeo da música Out of Step, do Minor Threat.

O movimento sXe chegou ao Brasil aos poucos. Durante os anos 80, a postura era rara, mas presente entre vários indivíduos dentro da cultura punk. O primeiro registro do Straight Edge no País é a foto na contracapa da coletânea Grito Suburbano, primeiro disco punk lançado aqui, em 1982. Nela, aparece o vocalista do Olho Seco, Fábio Sampaio, com um X pintado na mão.

Os primeiros exemplos de Straight Edge só apareceram em 1993, com as bandas Positive Minds e Personal Choice, que foi encabeçada pelo controverso Fabio 'Nene' Altro, atual vocalista do Dance of Days. Poucos anos depois, o Positive Minds se transformou no Self Conviction, outra banda fundamental no início da cena brasileira. Todas essas bandas compartilharam membros e alguns deles formariam, em 1996, o Point of No Return, que durante sua existência foi a mais conhecida e atuante banda Straight Edge do Brasil.

As bandas foram surgindo e os membros e amigos, muitos ligados ao coletivo anarquista Juventude Libertária, passaram a organizar shows independentes, evitando bares e casas noturnas, e inserindo algumas vezes atividades paralelas culturais e políticas. Esses shows foram o começo da Verdurada, que é o principal evento da cena sXe nacional desde 1996. Ocorrida inicialmente nos fundos de uma residência do bairro paulistano do Jabaquara, ela se mudou para diversos galpões pela Cidade de São Paulo.

A Verdurada é um evento que mistura shows, na maioria das vezes de hardcore/punk, com outras atividades, como palestras, exposições e vídeos sobre temas políticos, culturais, ecológicos ou que sejam considerados relevantes. Alguns dos princípios básicos da organização são o de não-consumo e venda de álcool e cigarros dentro do local do evento; o "Faça Você Mesmo", ou seja, a independência (nada de empresas ou patrocinadores por trás) e a auto-organização.

Assista, agora, ao vídeo sobre straight edges do programa Metrópoles da TV Cultura em 1999.

Foto da Verdurada - crédito: Reprodução/Blog Alienação Afrofuturista

O fenômeno Lady Gaga: quando o cool fica banal

2010-06-01T06:05:00.000-07:00

Luíza Gonçalves

O nome dessa moça remete à polêmica. Suas aparições sempre “causam”. Sua reputação? Bem, essa então, é cercada de boatos. Talvez Stefani Germanotta seja uma jovem americana de 23 anos comum como qualquer outra. Mas, sob o vulgo mais comentado da música pop mundial atualmente, Lady Gaga é, por si mesma, um escândalo ambulante.

Desde que começou a “bombar” no cenário musical, em 2008, ela não parou de ousar. E a cada apresentação, a gente se pergunta: o que a Gaga vai aprontar dessa vez? A já aclamada “Nova Madonna” chama mais atenção pela sua figura berrante do que pelas músicas. Essas – em sua maioria saídas do álbum de estreia, The Fame (2008) - já lhe renderam 2 Grammys este ano, entre outros prêmios, desde 2009.

Parece mesmo que Lady Gaga não consegue ser normal. Aliás, o normal para a cantora é estar sempre inventando, desde as roupas até os penteados extravagantes. Essa característica, sim, nos lembra Madonna, a camaleoa, que já foi ícone erótico, cowgirl, policial e até mesmo Evita Perón. Há mais de 20 anos, a cantora cinqüentona vem nos surpreendendo. Ela beijou na boca Britney Spears e Christina Aguilera na mesma apresentação, durante o MTV Video Music Awards 2003. Os fãs e admiradores raramente se cansam dela, porque ela se renova. Visual e musicalmente. E não perde sua identidade, sua essência. Ela é Madonna, a única.

Já Lady Gaga peca pelo exagero. Ela quer ser tudo, fazer tudo ao mesmo tempo. E com a maior dose de esquisitice possível. Todos devem ter visto a performance dela no MTV Video Music Awards 2009, em que simplesmente simulou sangrar e cometer suicídio no palco. Seria porque ela é cool, ou se trata simplesmente de um golpe de marketing? Só para bagunçar ainda mais, a cantora “revelou” que é bissexual. O beijo lésbico no clipe de Telephone quase me convenceu.

Lady Gaga diz ter influências de Cher, Cyndi Lauper, Madonna e Michael Jackson, as grandes sensações pop dos anos 80. Ela também é inspirada por estrelas do glam rock como David Bowie e Queen. Como vemos, a pequena Stefani sempre gostou de artistas que gostam de aparecer - com destaque para o Queen. O nome artístico da nova-iorquina vem da música Radio Gaga, sucesso da banda liderada por Freddie Mercury. Só faltou na lista da cantora a banda de hard rock Kiss, que marcou a história da música com um visual bem inusitado. Os roqueiros usavam maquiagem sempre e abusavam das roupas estilo fantasia, ainda na década de 70.

Mas nunca esteve tão na moda ser “exótico” como hoje em dia. Em pleno século 21, o normal é ser diferente. Prova disso são celebridades como Lady Gaga e o roqueiro Marilyn Manson. A banda de new metal norte-americana Slipknot também investiu no visual para promover sua música: os integrantes usam máscaras horrendas nos clipes e em todas as suas apresentações, o que se se tornou marca registrada. O clima de filme de terror é inevitável.

Fica a questão: o público não estaria cansado do fenômeno Lady Gaga ? Encher o histórico de polêmicas acrescenta o que para os fãs e para os próprios artistas? Talvez a sede por estar sempre sob os holofotes ou nas manchetes faça com que a arte seja posta de lado. A principal preocupação é a máxima exposição da figura do artista. Um personagem criado, e que rende muito dinheiro. Cabe a cada um refletir sobre o que está vendo, ouvindo, consumindo. Talvez o cool não seja tão legal assim.

Putumayo apresenta world music para o Brasil

2010-03-30T17:32:00.000-07:00

Rachel Munhoz

Viajar pelo mundo, de um canto para outro, por meio da música. Essa é a sensação causada em quem ouve os álbuns da gravadora Putumayo.

Criada em 1993 pelo empresário norte-americano Dan Storper, a Putumayo traz coletâneas com títulos como Asian Lounge, Café Cubano e Celtic Tides. Elas reúnem músicos do mundo todo e, em algumas coleções, trazem ritmos diferenciados de um mesmo lugar, como é o caso da Africa, com os álbuns African Reggae, African Party, Mali, Woman of Africa, Africa Groove, Cape Verde e Congo to Cuba.

No caso dos países latino-americanos, o Brasil está muito bem representado em quatro coletâneas: Brazilian Café, Brazilian Lounge, Acoustic Brazil e Samba Bossa Nova. Essas coleções mostram intérpretes como Djavan, Kátia B, Rosa Passos e Seu Jorge, entre outros.

Os álbuns também são uma ótima opção como música ambiente, para deixar rolar em barzinhos, ou em casa. É o caso das coleções Lounge. Além disso, também existem CDs com músicas para cozinhar (Música de Terras que Produzem Vinhos) ou dormir (Dreamland).

Antes de se tornar selo de World Music, a Putumayo era uma rede de lojas de roupas. De volta de uma viagem pela América do Sul, Dan Storper percebeu que as bugigangas trazidas de lá por baixa quantia despertavam interesse de muitas pessoas. Ele viu que ainda era possível ganhar dinheiro com esse segmento de mercado, que já existia desde 1987, em Londres, e lançou a gravadora.

Até mesmo para os mais interessados em música, encontrar gravadoras que reúnam material vasto de diversos lugares é muito difícil. Storper fez um trabalho que há muito vem sendo esperado. Não se trata apenas do interesse de grupos de danças folclóricas ou de bons samaritanos que têm uma visão sem preconceitos de culturas pouco valorizadas. Esse trabalho é para todos que tenham vontade de saber o que se produz em termos de música do outro lado do mundo, tanto pelo interesse humano, como pela simples curiosidade.

A diversidade de tendências propiciou um campo fértil para o mercado da música, mas a world music ainda não tinha sido colocada em evidência aqui no Brasil, mesmo sendo um país com imensa miscigenação cultural. A Putumayo, lançada em solo tupiniquim em 2006, está suprindo essa falta e acaba com as noites em que muitos passavam em claro caçando músicas diferentes na Internet. É uma pena que somente uma gravadora tenha tido essa idéia brilhante. Outras no mercado significariam ainda mais diversidade.

As compilações da Putumayo não têm caráter educativo, ou seja, não têm intenção de apresentar manifestações étnicas periféricas de terceiro mundo, como uma inclusão musical. Elas apresentam um belo trabalho de muitos músicos de todos os continentes, capazes de transportar o ouvinte pelo planeta afora.

Hipsters: Os criadores de tendências

2009-11-17T15:04:00.000-08:00

Lívia Carvalho

A cultura hispter é originária da década de 40, mas só começou a ser mais difundida recentemente. O termo é derivado da palavra“hepcats”, que designava os membros de uma subcultura afroamericana, que tinha como uma das principais características o apreço pelo jazz.

Nos anos 90, esse termo começou a ser utilizado com mais frequência, porém seu significado foi completamente descaracterizado. O termo hipster passou a ser usado para ilustrar um grupo de jovens de classe média, que se vestiam de maneira alternativa ao normal. Nessa década, essa tribo urbana seguia uma filosofia progressista. Socialmente, isso significa dizer que eles lutam pelo direito da mulher e dos homossexuais.

Atualmente, esse grupo entrou em evidência e começou a ser mais difundido, graças ao fenômeno Lady Gaga.

Os hipsters de hoje, podem ser definidos como jovens que vivem intensamente a informação e a internet. Eles processam todos os estilos e últimas tendências em seu comportamento e maneira de se vestir.

Assim, o visual hipster é cheio de cores vivas, acessórios extravagantes e combinações inusitadas, chegando a beirar o brega. E dessa maneira surgiu uma subdivisão desse grupo, chamado Hipster Cafona. Porém, essa terminologia pejorativa serve apenas para classificar aquelas pessoas que tentaram ser vanguardistas, mas falharam na tentativa.

Uma matéria, exibida pela MTV Brasil, tentou diferenciar o hipster do cafona. Os hipsters originários são considerados “iniciadores de tendências”. Os integrantes desse grupo combinam as peças do seu vestuário de maneira exótica, mas não brega. Eles se vestem bem, com roupas de qualidade, mas fazem combinações diferentes, que poderão se tornar moda no futuro. Por isso eles são considerados formadores de opinião e criadores de tendências.

Já os cafonas, são aqueles que se vestem de maneira extravagante somente para chamar atenção.

Festivais de música eletrônica, muito além das raves

2009-11-03T15:37:00.000-08:00

Taís Auler

Festivais de música eletrônica, por muitas vezes, são confundidos com raves. Para leigos, são apenas festas realizadas para dançar e usar drogas, o ecstasy, mais especificamente. O que muitos não sabem é que eles, em geral, têm como mensagens a preservação do meio ambiente, o respeito ao próximo, a liberdade e a perfeita sintonia com o universo.

No Brasil existem muitos festivais, todas as épocas do ano e em várias partes do País. O local, geralmente, é afastado da área urbana. A duração é de, no mínimo, três dias e o público, em sua maioria, fica acampado.

O Universo Paralello, maior festival brasileiro, dura sete dias, de 28 de dezembro a 3 de janeiro. Este ano, acontece a 10ª edição. Ele sempre ocorre em praias da Bahia. Esse ano será na Praia do Garcez, na Ilha d’Ajuda. Para se ter idéia, na última edição foram colocados à venda no Brasil 5 mil convites, mais 700 para estrangeiros. O valor do ingresso varia de R$ 250 a R$ 380.

Entre os festivais menores, se destaca o que leva o nome de uma fazenda do interior de Minas Gerais, o Cachoeira Alta. Na edição de 2008, 2 mil ingressos foram colocados à venda. Tanto nesse como em outros festivais, há as pessoas que pagam e as que trabalham. Estas acabam gerando um contingente em torno de 500 pessoas.

A estrutura básica dos festivais é composta pela tenda principal; pelo espaço para chillout, onde toca um estilo de música eletrônica para relaxar, e que pode ter puffs e cangas para descansar; praça de alimentação; e lugar para camping. Quanto aos DJs, sempre há brasileiros e estrangeiros.

A decoração não é feita pelos organizadores, mas sim por artistas que vêm de toda parte, cada artista com seu tipo trabalho. A junção disso tudo resulta em muita arte e cores. Pode-se ver trabalhos com garrafas pet, flores de espuma e de madeira, panos para as tendas, círculos fluorescentes e bandeiras fazendo alusão ao símbolo da paz dos maias. Enfim, uma infinidade de adereços. Tudo é válido, desde que esteja em conformidade com o local.

Além das pessoas que fazem a decoração, existem as que vão trabalhar durante o festival, fora os DJs. Há pessoas vendendo roupas e acessórios, e executando serviços como tatuagem, dreadlocks e massagem. Além deles, há os que trabalham na praça de alimentação, que invariavelmente tem como opção comida vegetariana, como quibe de soja, hambúrgueres vegetarianos, batatas recheadas, pizza de abobrinha e açaí. E o velho cachorro quente, para quem não gosta de alimentos vegetarianos, também está sempre presente.

Existe, ainda, um espírito de irmandade que paira sobre esse tipo de evento. É muito comum ver as pessoas que trabalham se ajudando, sorrido umas para as outras, sendo cordiais. O público que paga para ir aos festivais também é mais amável e respeitoso. Esse clima se estende para a atenção ao equilíbrio com o meio ambiente e a valorização das artes e da diversidade cultural. É claro que nem todos os freqüentadores pensam e agem assim. Há quem jogue lixo no chão. As festas ainda estão longe de terminar 100% limpas.

As performances artísticas são bastante exploradas em festivais. É um tipo de entretenimento que envolve desde pessoas vestidas de palhaço, ou recolhem o lixo da festa, até aqueles que fazem números de pirofagia, dança, suspensão pela pele, performance com bexigas e malabarismo.

Outra expressão encontrada é a dos rituais. Os mais comuns são os de abertura e saudação ao sol, ao amanhecer. Oficinas de ioga também são muitos populares.

Para quem quiser aprofundar um pouco a visão a respeito do tema pode ler Festa Infinita – o entorpecente mundo das raves, do jornalista Tomás Chiaverini. Ele disse que antes de escrever o livro nunca havia ido a sequer uma festa rave, mas depois experimentou o ecstasy para escrever. A Música do Tempo Infinito é outra publicação sobre o tema, do psicanalista Tales A. M. Ab’Saber.

Refugiados no Brasil contam suas histórias em CD

2009-10-27T17:04:00.000-07:00

Mariana Felippe

O Brasil tem hoje 4.131 pessoas vindas de 72 países que buscaram asilo permanente aqui, segundo o Comitê Nacional para os Refugiados (Conare). As justificativas para a intensa migração vão desde a abertura política do País (o Brasil foi uma das primeiras nações a abrir fronteiras, oficialmente, para estrangeiros) até a generosidade e hospitalidade da população brasileira.

Segundo o último relatório do Conare, a maior população migrante é a de angolanos, embora o número esteja estacionado. A que mais cresce, atualmente, é a de colombianos, devido aos conflitos internos no país vizinho.

Apesar dos fatores favoráveis, a maior parte dos migrantes enfrenta dificuldades ao chegar ao Brasil, tanto por fatores econômicos, como a busca de emprego, quanto por fatores psicológicos, como a saudade do país e da cultura de origem. É nesse cenário que a Agência da ONU para Refugiados (Acnur) estimulou e financiou a produção da coletânea de músicas Livre Cantar.

O CD, produzido pela Acnur e pelo Grupo Mirrage, com o apoio da ONG Conversando com as Nações Unidas (CNU-Brasil), reúne canções compostas e executadas por homens e mulheres que vivem no Brasil como refugiados e encontram na música uma forma de expressão e participação social. Entre os artistas, há angolanos, colombianos, congoleses, cubanos e palestinos. Para a Acnur, “o disco é o reflexo da diversidade do refúgio no Brasil”.

Além da excelente qualidade musical, vale a pena conferir a obra para conhecer um pouco mais sobre uma parcela da população que dificilmente consegue ser ouvida em sua expressão tradicional. Todas as músicas estão disponíveis no site da Acnur, para reprodução on-line e para download no formato mp3.

Veja abaixo o trailer do filme Refugiados.

Os nerds se tornaram geeks

2009-10-27T16:06:00.000-07:00

Lara R. Finochio

Eles já foram chamados de nerds e dorks, e hoje são conhecidos como geeks, uma expressão inglesa, considerada até uma gíria, que define as pessoas obcecadas por tecnologia. Na maioria das vezes têm um estilo pessoal: óculos com grandes armações, calça jeans e blusa tipo pólo ou camisa de botão, sempre em com cara de intelectuais.

Os geeks tomaram proporções maiores que os “antigos” nerds. Atualmente os geeks ganharam até um seriado na televisão:

As gostosas e os Geeks. A série televisiva mostra o contra-ponto entre pessoas intelectuais, que não se importam com sua aparência e sim com o conteúdo cerebral, e as meninas que vivem da aparência e não precisam de inteligência para sobreviver.

Esse contra-ponto é muito interessante a partir do momento em que os geeks e as “gostosas” se interessam um pelo outro, até engatar um possível namoro. Os geeks dizem que, por incrível que pareça, é possível se interessar por uma pessoa que não tem “muito conteúdo cerebral”, e as meninas dizem que mulheres gostosas não querem apenas homens gostosos. O mais interessante é que, como em todo o reality show, quem agüentar ficar mais tempo na casa e acertar as provas ganha um prêmio em dinheiro.

Para reconhecer um geek é simples: se você está na escola, repare naquele menino que senta próximo a lousa e sempre se dirige aos professores; eles são viciados em computador; são capazes de fazer a programação da máquina, e quando tem um tempo livre, se divertem com jogos on-line.

A “evolução” de nerd para geek consiste no fato de os geeks serem mais extrovertidos, se interessarem mais por conhecer pessoas novas, mas, assim como os nerds, nunca deixa de estudar e ler, praticamente o tempo inteiro.

Podemos dizer que os geeks desejam ter o conhecimento pleno sobre as coisas, e sempre estão procurando estudar e ler mais livros e adquirir mais informações. Por viverem de forma acelerada, eles conseguem arrumar soluções muitas vezes difíceis para uma pessoa leiga em alguns assuntos.

Visual do passado com carinha de moderno

2009-10-27T14:56:00.000-07:00

Fernanda C. Balbino

A expressão “quem guarda, tem”, muito utilizada por nossas avós, faz muito sentido quando o assunto é moda. Principalmente quando se busca um pin-ups.

O terno pin-up é utilizado para classificar desenhos ou pinturas que reproduzem fotos de artistas dos anos 40 e 50. Por isso, o visual é composto por peças com a cintura bem alta e marcada, penteados altos, com flores, que fazem o contraponto entre a figura da mulher sensual e a da menina com um certo ar infantil. Essa relação entre a ingenuidade e a malícia é o que faz com que a moda das pin-ups seja seguida por meninas, passando por adolescentes até mulheres adultas.

A cantora Kate Perry é considerada a rainha das pin-ups modernas. Esta sim, sabe compor um visual diferente, aliando peças vintage, com elementos streetwaer e coisas pra lá de ousadas. A atitude é outra marca forte da cantora, que apesar da cara de boa moça, gosta de se divertir sem se preocupar com o que os outros podem pensar.

Filha de pais pastores, Kate cantava no coral da igreja até descobrir que aquilo não tinha nada a ver com ela. Quando resolveu cair no mundo da música, gravou um disco cheio de letras maliciosas, como

I Kissed a Girl (Eu beijei uma garota), que vendeu mais de 2 milhões de cópias.

Mas como um visual não é composto apenas pela roupa, mas também é um mix que envolve sapatos, maquiagem, acessórios e muita atitude, a busca por uma tribo ou por um estilo pode ser mais complexa do que parece.

Para quem gosta de um estilo, e quer seguir, todo cuidado é pouco na hora de combinar as peças, os acessórios e a maquiagem, para não ultrapassar a linha da vulgaridade. A sensualidade deve estar presente, sem que isso seja uma marca muito gritante. A grande sacada do estilo é ser a mocinha ingênua e sensual, que abusa das saias curtas, decotes, flores e estampas, sempre com muita diversão.

Após 15 anos, Da Lama ao Caos ainda soa como novidade

2009-10-06T18:16:00.001-07:00

Guilherme Júnior

Quantos discos na história brasileira conseguiram deixar marcas e mudar a forma de produzir música? Um deles acaba de completar 15 anos e veio de Recife. É Da Lama ao Caos, da banda Chico Science & Nação Zumbi.

O álbum é a principal referência quando se fala em manguebeat, termo cunhado para designar a mistura de elementos tradicionais da cultura pernambucana, como maracatu, coco, afoxé e ciranda, com ritmos e expressões ditas modernas, como música eletrônica, rock e hip hop, entre outros.
Mais que marcar a estréia da banda, Da Lama ao Caos mostrou como é possível fazer a junção de elementos separados, muitas vezes, pelo preconceito. O som, a princípio, se apresentava agressivo e estranho aos ouvidos mais acostumados com o pop das rádios. No entanto, a assimilação foi acontecendo aos poucos e atraindo cada vez mais interessados.
Diferente do que muitos pensam, o manguebeat não é um ritmo, nem um movimento organizado. Nem mesmo a grafia original é essa. O manguebit original se escreve assim mesmo, com “i”, representando a união do elemento popular (nesse caso, os mangues de Recife) com o moderno (representado pelo bit de computador).
O disco reuniu diversos ritmos tradicionais em suas 14 músicas, regadas a samplers e scratches, além de levadas psicodélicas. O destaque fica para os maracatus (Maracatu de Tiro Certeiro, Risoflora), os cocos (Coco Dub (Afrociberdelia), Rios, Pontes e Overdrives) e as cirandas (A Praieira, Computadores Fazem Arte).
A TV Cultura produziu um dos melhores documentários sobre a trajetória de Chico Science e Nação Zumbi.

Nos trabalhos seguintes, a banda manteve a inovação e a mistura de elementos culturais diferentes como principais alicerces da sua produção. Mesmo após a morte de Chico Science, em 1997, a banda seguiu investindo em novidades, se recusando a viver do passado.
Mesmo depois de 15 anos, Da Lama ao Caos soa inovador. Vai demorar algum tempo para que as idéias desses visionários sejam totalmente compreendidas pelo público.

Jovens Padres cantores evangelizam pela música

2009-10-06T16:25:00.000-07:00

José Mário Alves

Algo que antigamente era uma raridade, hoje já se tornou normal e corriqueiro. Um Padre cantando em ginásios esportivos, casas de show, dividindo o palco com cantores consagrados na mídia e sendo protagonistas em programas de televisão, era algo que parecia fora do normal, já que para muitos, o lugar de Padre é na Igreja ministrando a missa e não em palcos promovendo shows.
Esta nova modalidade de Padres cantores, não é nenhuma novidade, pois na década de 60, aparecia um tal de Padre José Fernandes de Oliveira, padre mineiro que ousou se utilizar de um violão para animar suas celebrações litúrgicas.
Padre Zezinho como ficou conhecido é um dos maiores fenômenos da música cristã no mundo, foi um dos pioneiros da música católica popular que ousou mudar a forma de evangelizar e hoje influencia jovens padres a utilizar a música na evangelização de jovens e animar as missas.
O sucesso das canções de Pe Zezinho foi imediato entre os fiéis católicos, sendo reconhecido por eles como um profeta de várias gerações. Algumas de suas canções mais famosas são Um Certo Galileu, Maria de Nazaré, Amar como Jesus Amou, Oração da Família. Clique e veja Pe Zezinho

Questionado sobre o crescimento do numero de padres cantores, Pe Zezinho disse em entrevista a revista Musica Cristã: “O fato de ser padre não torna ninguém um cantor da fé. Muitos padres estão cantando sem sequer consultar maestros ou professores de português. Consulto quem entende há mais de 30 anos e ainda assim cometo erros. Imagine quem não conhece os meandros de uma boa gravação de discos”.
Quem entende de povo e de gosto musical pode e deve ajudar. Alguns arranjos são audivelmente mal feitos. Caem no óbvio. Nada contra que mais padres cantem, desde que saibamos nosso lugar. Onde o leigo poderia fazer melhor, que o leigo cante. Que os leigos nos ajudem. De música eles entendem bem mais do que nós ““.
Vinte anos após o sucesso de Pe Zezinho, outro padre colocou a música católica definitivamente na mídia, Marcelo Rossi, ganhou espaços preciosos em programas de TV antes freqüentados por cantores da mídia secular. Vendendo milhões de cópias de CDs e DVDs. Suas missas sempre lotadas por milhares de fieis, mais pareciam shows de cantores famosos.
Por várias vezes Padre Marcelo Rossi lotou estádios de futebol e chegou a colocar mais de cem mil pessoas no Autódromo de Interlagos na missa dos finados em novembro de 2008 como já havia conseguido fazer em 2007 quando gravou um DVD com a participação de cantores como o pagodeiro Bello, os sertanejos Chitãozinho e Chororó e Daniel.

Veja Abaixo Pe Marcelo e o pagodeiro Belo em Interlagos

Agora, outro padre ganha força e vira um verdadeiro popstar, Padre Fabio de Melo, tem arrebanhado multidões em seus shows pelo Brasil a fora, recentemente na festa de Peão de Barretos, levou a multidão às lágrimas.
Seu repertório variado que mistura pregação, palavras de autoajuda, e músicas de outros cantores como Fábio Junior, Daniel, hipnotizam os espectadores e os deixa em verdadeiro transe levando o público a lágrimas e a uma explosão de alegria.

Veja Padre Fábio no Barretão 2009

Tanto Padre Fabio de Melo quanto Padre Marcelo Rossi, dizem em suas biografias que tem como referencial musical e a forma de evangelizar pela música, grande influência do Padre Zezinho que na verdade foi que quebrou as barreiras do conservadorismo da Igreja Católica que até então só se utilizava de cantos gregorianos na suas celebrações religiosas.

Uma vitrola que toca letras

2009-09-15T18:04:00.000-07:00

Márcio Garoni

Segundo definição da Wikipédia, Jornalismo Literário é "uma especialização do jornalismo feita com a arte da literatura". Trocando em miúdos, é um tipo de jornalismo mais trabalhado, que foge do dia-a-dia das notícias. Também há quem diga que seja "melodia". Para quem o faz, parece difícil. Mais ainda para quem se propõe a fazer tudo isso na internet.

Talita A., é uma das pessoas que se propõe à árdua tarefa. Levou à risca a definição de "melodia" já no título de seu blog, o Vinil Literário. A página, que começou como um TCC no ano passado, segue até hoje conquistando seu espaço na blogosfera.

O Vinil Literário é mais do que música e textos, como o nome pode sugerir. O blog, para quem ainda resistiu a visitar, é um mix de várias coisas que estão rolando por aí. Pode ser uma banda até então desconhecida por muitos, ou um ponto de vista sobre o que todo mundo está sabendo; projetos de visionários around the world, ou uma dica de leitura; intertextualidade com revistas como a Piauí (publicação utilizada como case pela autora), ou um bate-papo despojado com pessoas como o escritor Xico Sá. Tudo isso dividido em quatro seções: Coleção, Diga-logo, Entre colchetes e Diamante; esta última feito de colaborações de gente boa da web.

A linguagem utilizada por Talita no blog vem do New Journalism (Novo Jornalismo) norte-americano, iniciado na década de 60. Insatisfeitos com as regras de objetividade impostas nas redações, repórteres como Tom Wolfe, Gay Talese, Truman Capote e Lilian Ross romperam algumas dessas amarras em favor de um estilo de escrita que pudesse excitar o leitor, da mesma maneira como ele era excitado lendo uma ficção. Não por acaso, esses jornalistas se tornaram escritores, muitos deles ficcionistas.

Mas estamos no terceiro milênio, era digital, e a proposta da linguagem teria que se adequar ao mundo dos blogs. Para isso, ela se inspirou principalmente em dois sites: Blônicas e Scream & Yell.

O primeiro, do escritor e publicitário Nelson Botter Jr., quase que se resume no próprio nome: mistura de blog com crônicas. Na página, nomes como o músico Leo Jaime, a jornalista Milly Lacombe e o já citado escritor Xico Sá nos presenteiam com seus textos, no máximo um por dia, ideais para o meio eletrônico. O negócio deu tão certo que o blog virou livro, com textos dos cronistas, e até uma segunda edição, com escritores diferentes: "Blônicas 2 - A Vez dos Leitores", com 50 leitores-escritores de todo o País. Um deles, não por acaso, é Talita.

O segundo site, o S&Y, é editado pelo jornalista Marcelo Costa. Com um visual atraente, ele traz críticas culturais de uma maneira mais solta do que em jornais e revistas. Cinema, literatura, mas muita, muita música são os ingredientes que fazem deste um dos melhores sites nacionais do tipo, equiparando-se em qualidade com muita revista impressa.

É dessas fontes que Talita bebe, além de sua bagagem intelectual, para atualizar seu blog. Fazendo uma releitura da cultura do Vinil e do Novo Jornalismo do século passado, a jornalista foge do lugar-comum e ajuda a acrescentar algo de bom no mundo da web 2.0.

Tituba: resgate da cultura afro-abrasileira

2009-09-15T17:05:00.000-07:00

Através da confecção de saias, batas, blusas, bolsas, faixas e assessórios, a cooperativa de costura afro-brasileira Tituba leva de Santos para o Brasil um pouco dessa cultura que parece esquecida por muitos.

A organização existe há três anos e é formada por mulheres que acreditam que a força da união do trabalho pode mudar a realidade. Lá, vivenciam o trabalho solidário que ajuda a aumentar a igualdade, pelo menos entre elas.

O tecido mais utilizado na produção é a chita, tecido simples de algodão bastante florido e originário da Índia. Há décadas é muito utilizado no Brasil. Por volta da década de 40, era esse tecido que vestia trabalhadores braçais e rurais. Atualmente também é usado por Philippe Starck, conceituado designer de interiores.

O uso de tecidos rústicos com estampas de temas africanos faz a conexão das culturas afro-brasileiras. Não apenas por meio da costura, mas também pela participação em eventos, como o Miscelânea Cultural Negras Artes, realizado em Santos.

O trabalho tem importância, pois além de ser feito com todo o cuidado e capricho - características encontradas no trabalho das mulheres -, a cooperativa também resgata as raízes africanas, que têm presença muito forte em toda a cultura brasileira, mas que muitas pessoas esquecem, ou fazem questão de esconder.

Vindo do blues, não poderia ser melhor

2009-09-15T16:14:00.000-07:00

Um lamento. Essa é a verdadeira origem do rock’n roll. Muito antes das músicas de protesto da Ditadura, do punk rock lançar suas ideias anarquistas e revolucionárias, ou mesmo de John Lennon cantar os males da Guerra, homens e mulheres já protestavam por meio da música na região sul dos Estados Unidos. Entre o final do século XIX e início do XX, no meio das plantações de algodão, milhares de escravos libertos embalavam as horas sufocantes de trabalho com o que mais tarde seria conhecido como blues.
Como diria a sábia frase de um dos maiores compositores do gênero, Willie Dixon, “The blues are the roots, everything else is the fruits”. O blues é a raiz do rock, e indo além, de muita coisa boa (e ruim) que surgiu no mundo da música. Artistas como Beyoncé, que hoje pode se considerar uma estrela do pop, não sabe o quanto deve a uma negra chamada Mamie Smith, primeira mulher a gravar um blues. Ela e outras cantoras do início dos anos 20, como Lucille Bogan, não se intimidavam por poderem sofrer preconceito estando na condição de mulher e negra numa década regrada à moral e bons costumes. Bogan ia além, gravando canções sobre alcoolismo, como Sloppy Drunk Blues, sexo (Shave Em’ Dry), prostituição (Tricks Ain’t Walking No More) e até mesmo lesbianismo – abrindo assim caminho para as ousadias de outras cantoras que viriam pela frente.
Falando só sobre a questão da cor da pele, os primeiros cantores brancos de rock devem muito aos negros e seu blues. Elvis, considerado o rei do rock, começou a fazer sucesso criando suas versões de blues, como a clássica That’s All Right, Mama, de Arthur Crudup. O rei sofreu discriminação no início por cantar o gênero, mas nada se compara o que passaram os cantores de blues. Quando Presley tinha apenas 9 meses, em 1936, a grande Bessie Smith morria por causa da discriminação. Considerada a imperatriz do blues, Smith sangrou até a morte após um acidente de carro. O hospital mais próximo recusou-se a atendê-la por ela ser negra.
Grande fã inspirada por Bessie foi Janis Joplin. E inúmeros são os casos da extração da essência do blues para a criação do rock. Os Rolling Stones carregam no nome a canção de Muddy Waters, e não há como negar que Lady Madonna, dos Beatles, copia exatamente o piano da canção Bad Penny Blues. Há ainda os casos mais polêmicos, como o processo movido por Wilie Dixon ao Led Zeppelin, pela falta de créditos em músicas da banda, que claramente haviam sido inspiradas em composições do baixista, como o caso de Whole Lotta Love em relação a You Need Love.
Deixando os créditos de lado, o que realmente importa é a capacidade do homem de transformar a arte, de produzir cultura. De utilizar o conhecimento já aprendido e criar, ou recriar, se o termo for o melhor. Como o rock deve ao blues, o blues também deve ao rock. Com o sucesso de muitas bandas de rock da década de 60, como os Rolling Stones, que gritavam a plenos pulmões sua forte ligação com o blues, muitos bluseiros já esquecidos e sem a fama do passado, como Muddy Waters, foram reconhecidos por sua grandes contribuições à música, dando nova guinada em suas carreiras, e levando-os à fama tardia e à turnês internacionais. Desta forma, o blues continua a se manter vivo, e sempre renovado.

A arte na contramão

2009-09-01T17:32:00.000-07:00

Eduardo Brandão

“Maldito, talvez; mas nunca mal falado”, costumava responder Itamar Assumpção (1943 – 2002), quando questionado sobre a estigma que acompanhou os compositores de meados da década de 1970 (in)classificados como marginais. Autores de álbuns antológicos e emblemáticos, o grupo era bem visto pela crítica especializada, mas não repetiam o mesmo sucesso nas paradas de sucessos e vendagem de discos.

Por não se renderem às fórmulas fáceis e repetitivas dos sucessos radiofônicos em voga, nome como Jards Macalé, Sérgio Sampaio, Luiz Melodia, Walter Franco, João Ricardo (ex- Secos e Molhados), Ednardo, Elomar, Jorge Mautner, Miriam Batucada, entre outros, ficaram à margem da indústria fonográfica.

Contudo, alguns destes artistas conseguiram emplacar alguns sucessos, com vendas comparáveis a de Roberto Carlos. Como o caso da marcha-rancho “Eu quero é botar meu bloco na rua”, de Sérgio Sampaio (1947-1994), que vendeu mais de 300 mil cópias em compacto, depois de se sagrar campeão de um festival de música popular, em 1973. A eufórica tiragem não foi repetida em seu primeiro LP, no mesmo ano e com a fortíssima canção, que patinou em 20 mil exemplares.

Sem o sucesso das multidões, mas com um reduto fiel de admiradores, resistiram aos anos tocando em bares ordinários e sem aparições televisivas. Décadas depois – e com o advento da Internet – jovens seguidores de sons do passado redescobriram as pérolas adormecidas em fitas másteres esquecidas nos armários das gravadoras multinacionais. Disputados às tapas pelos mais entusiasmados dos fãs, álbuns essenciais para entender o momento pré-anistia política – a qual incontáveis compositores nacionais estavam (obrigado ou espontaneamente) exilados no exterior - caíram no blogesfera.

Quando os majores do mercado fonográfico perceberam o filão, tentaram relançar em coletâneas simplistas as preciosidades armazenadas em discos rígidos e players portáteis de música. Talvez à frente de sua época, estes artistas, considerados de vanguarda por uns e anarquistas por outros, tiveram que correr à margem do estrelato para, enfim, ter o reconhecimento tardio de seus talentos.

Veja vídeo de Jards Macalé e Paulo José cantam e recitam Torquato Neto

Em cartaz, Cine Macalé

Jards Anet da Silva, 66 anos, vestido com uma camisa do super-homem, caminha tranquilamente sobre o palco do Sesc Santos, às 21 horas de 22 de agosto. Pega um violão, ameaça algumas notas. Para. Olha para o público, aponta o telão instalado atrás do compositor carioca e anuncia a exibição do primeiro trecho de um filme. Em preto e branco, cenas do enlatado Batman e Robin, sucesso televisivo dos anos 50. Na sequência, apresenta uma de suas primeiras composições: Gotham City, defendida em 1969 durante o 4º Festival Internacional da Canção, no Rio de Janeiro.

Inspirado em músicos que se apresentavam em sessões de cinema mudo, no começo do século passado, o representante dos marginais da MPB estréia em cartaz com Cine Macalé. Espetáculo multimídia o qual o compositor carioca apresenta músicas e trechos de suas participações na sétima arte. Neste terreno, pouco importa se atuando ou compondo.

A trama do espetáculo, com duração aproximada de 80 minutos, segue os caminhos do violeiro cego do filme Amuleto de Ogum (1974, Nelson Pereira dos Santos). Além de ser o protagonista do longa, Macalé assinou a trilha sonora da fita. “Se me der na veneta eu vou,\Se me der na veneta eu mato,\Se me der na veneta eu morro,\E volto pra curtir”, canta para um seleto grupo de aproximadamente 150 pessoas (cerca de 20% da lotação do local).

Um dos rebelados da indústria fonográfica, Macalé integra a lista dos compositores intitulados “malditos”. À margem dos sucessos repetitivos das ondas do rádio e televisão, o músico carioca também se aventurou nas telas do cinema em outros dois longas: O Demiurgo (1972, Jorge Mautner) e Tenda dos Milagres (1977, Nelson Pereira dos Santos). Trechos e causos são narrados e seguidos de execuções de parcerias do músico com o poeta Waly Salomão (1943 – 2003); “A voz do Morro”, de Zé Keti; "Acertei no Milhar", de Moreira da Silva. Ainda há espaços para homenagens ao ator Grande Otello, com cenas da obra Macunaíma (1969, Joaquim Pedro de Andrade), baseado no romance de Mário de Andrade.

Em uma ode à Sétima Arte, trechos do longa Terra Estrangeira (1996, Walter Salles e Daniela Thomas) são intercaladas com o imagens do humor clássico dos irmãos Marx. Próximo frame, a cena final do filme, que é considerado a retomada do cinema nacional. Cantando “Vapor Barato”, Alex (interpretada por Fernanda Torres) leva Paco (Fernando Alves Pinto) baleado para o hospital. Pela estrada portuguesa o veículo se desloca em alta velocidade, lentamente a câmera se afasta... Ouvimos os soluços de Alex: “vou descendo por todas as ruas \ E vou tomar aquele velho navio”.

Desce-se o pano do palco santista; da mesma forma que eram baixadas as cortinas após as exibições do cinema mudo, em uma época que teatros eram adaptados para as projeções. Sobre aplausos, e reclamando de uma tendinite na mão esquerda, Macalé, lentamente em seus trajes de super-herói, retorna a coxia. Nenhum dos fãs pede bis: no cinema, quando acabam os caracteres, não há mais ninguém na sala de exibição.

Uma Rosa brasileira no Grammy Latino

2008-11-11T14:39:00.000-08:00

Ivo Felipe

A cantora de MPB, blues, jazz e bossa nova Rosa Passos é uma das indicadas ao Grammy Latino de música. Com o CD Romance, lançado no início de 2008, ela está entre os 20 artistas brasileiros que concorrem ao prêmio, entre eles Gilberto Gil, Djavan e Maria Bethânia.

O Grammy tem 49 categorias e é considerado o Oscar da música latina. Rosa Passos se emociona ao falar da indicação, mas lembra que a categoria em que está indicada não tem nexo com o seu perfil. “Estou concorrendo na categoria Melhor Álbum Pop Contemporâneo. Não sou pop, mas fico feliz com a indicação, porque é um sinal de que acompanham meu trabalho”.

Desde os 5 anos de idade, Rosa já era considerada uma pianista promissora. Hoje, com 56, a baiana esbanja simpatia com sua voz doce e suave, que atrai pessoas de diversas gerações. “É muito gratificante entrar no palco e ver jovens entre 20 e 30 anos curtindo minha apresentação. É um sinal de que a música brasileira ainda está muito viva na alma das pessoas”, completa.

Porém, Rosa é um tabu no Brasil. Seu trabalho, embora reconhecido pela crítica, não tem tanta repercussão interna, em termos de público. Em compensação, ela é uma das cantoras brasileiras mais ouvidas no exterior e tem sua agenda lotada praticamente até o final do ano, na maioria com apresentações em outros países. “Gosto do Brasil, gosto do mundo. Na verdade, eu gosto de cantar e sou uma priveligiada por fazer o que gosto. Agradeço a Deus todos os dias por isso”.

CES, na ativa como sempre

2008-11-04T15:58:00.000-08:00

Thiago Rosa

Não é difícil perceber que as pessoas que andam pela avenida Ana Costa não reparam que ali, naquela avenida, existe um local que já deveria ter sido considerado ponto turístico da cidade. Afinal, o Centro dos Estudantes de Santos, CES, abriga mais coisas interessantes do que muitos museus da cidade.

Lá você não vai encontrar objetos retirados do estômago de nenhum animal, partes de barcos ou navios que foram à pique, carcaças de animais encontrados na beira do mar, ou qualquer coisa do tipo.

Ali, qualquer um que entrar logo de cara vai se deparar com uma escadaria onde já pisaram os pés de muitos personagens históricos da cidade. Como por exemplo Sérgio Pardal que nas ultimas eleições tentou uma vaga na câmara municipal de Santos; Thiago Andrade que hoje é diretor de organização da União da Juventude Socialista (UJS), entre outros que fizeram há muito e há pouco tempo história na cidade.

O clima da casa antiga e que aos poucos vem ganhando reformas estruturais é único. Passar algumas horas lá dentro é como injetar cultura e história na veia. É aplicar, na mente, sentimentos de reivindicação, de que o mundo pode melhorar.

Ser ou ter sido estudante e não conhecer o CES é como não ter ido à escola. É o mesmo que saber juntar as sílabas e não saber o que está escrevendo.

Falar sobre política, literatura, movimentos sociais, músicas, greves, vida ou a qualidade dela. Apresentar propostas, debater, estudar e discutir a maneira como o ensino está sendo aplicado tanto nas escolas quanto nas universidades de Santos.

O CES serviu e serve como ponto de partida para situações que fizeram e fazem história na cidade. É o apoio e o abrigo aqueles que são chamados de “rebeldes” pela massa de manobra que existem dentro das ‘ditas’ instituições de ensino.

Conhecidos como povo chato, ‘cri-cri’, que não vive seu tempo e almeja uma utopia que não está mais ao alcance das pessoas – muitas delas já perceberam isso. Fazer parte da contra cultura, do grupo dos falsos intelectuais, mas falsos porque não seguem as regras por não concordarem com elas e por isso são vistos até como anarquistas sem causa.

A rebeldia dos jovens do movimento estudantil não perdeu espaço, apenas adormeceu perante os olhos da sociedade, mas mesmo sonolenta ainda respira. E aos poucos o despertador está tocando novamente, fazendo acordar o espírito das causas justas e dignas.

Link do CES: http://blogdoces.wordpress.com/

Colaborou Telmo Toledo e Octávio de Sá

Oasis maduro? Onde, quando, como, por quê?

2008-10-21T16:33:00.000-07:00

Bruno Nogueira

O Oasis, outrora garotos de Manchester, chegou definitivamente à maturidade, já anunciada em tons mais brandos por Don´t Believe The Truth, de 2005, que antecedeu o novo álbum da banda inglesa, Dig Out Your Soul. E o amadurecimento dos irmãos Noel e Liam Gallagher, Andy Bell e Jay Darlington - não apenas musical, como de idéias também – veio impulsionado ao mesmo pela psicodelia, uma referência aos Beatles, como não poderia deixar de ser, em se tratando de Oasis, e pelo hard rock.

Cítaras, violinos, pianos e até acid jazz, misturados a guitarras distorcidas, pancadas na bateria e alguns chutes na porta. É assim que se apresenta a fase madura do Oasis, de idéias definitivas e som interessante, resultando no disco que talvez dê mais o que falar na história da banda, e por maior tempo.

IDADE PESA - Noel chegou aos 40 anos. Liam, seu irmão mais novo, já tem 36. E o reflexo da idade dos propulsores da banda do Reino Unido nas novas músicas é o que há de diferente neste novo álbum. De fato, se eles decidissem botar em prática novamente a faceta “rebelde roqueiro”, condizente com o slogan “sexo, drogas e rock and roll”, seria um retrocesso para a banda e soaria extremamente falso.

Parece que as atitudes mudaram no interior do grupo. Os irmãos Gallagher já não brigam mais. Noel vê os outros componentes do quarteto comporem e bem. O próprio Liam, conhecido por muitos como o melhor “não-cantor” do rock – pois não possui voz suficiente, mas sabe exatamente como usá-la –, emplacou desta vez uma brilhante composição em I´m Outta Time, a música mais melódica de DOYS. Outro que se libertou da Noeldependência é o baixista Andy Bell, que fez o hard rock mais marcante do CD, The Nature of Reality, com pegadas fortes que chegam a lembrar Helter Skelter, dos Beatles, e até Marilyn Manson.

Falando em Noel, é dele o primeiro single do álbum, The Shock of the Lightning, que, sem meias palavras para quem acompanha Oasis, mostra que os ingleses ainda sabem como ninguém como fazer músicas marcantes para serem lançadas como compacto. Os segredos de uma música que pega, isso eles conhecem muito bem e não escondem: distorção em um riff marcante, bateria na porrada e uma melodia pegajosa.

Um fato importante a ser lembrado é o que eu já vi em algumas outras críticas sobre o álbum. Noel não parou de roubar riffs e nem idéias de outras bandas, mas agora isso tudo soa de maneira diferente, pois o Oasis se consolidou musicalmente e sabe muito bem quais são suas fronteiras. Assim sendo, consegue criar de maneira muito legal, dentro de seus limites.

Outra ressalva interessante a ser feita foi a idéia de pré-vazamento do disco - que estava programado para ser lançado no dia 6/10 – com a distribuição de três faixas a artistas de rua de Nova York, para que eles criassem versões das músicas e tocassem espalhados pela cidade americana. Brilhante estratégia de marketing.

Por essas e outras, vale a pena ouvir Dig Out Your Soul faixa a faixa, sem deixar nenhuma de fora, de Bag It Up A Soldier On, e conhecer um Oasis diferente, mas sempre marcante.

Bom som para você!

O sertão vai virar mar

2008-09-23T16:43:00.000-07:00

Maria Fernanda Cunha e Regiane Lima

Profetas, cálculos, fatos e histórias levam a crer que algum fenômeno misterioso está marcado para 2012. Fim do mundo ou não, a verdade é que esse assunto desperta a curiosidade de muitos historiadores, cientistas e curiosos como nós. E depois de ler este texto, provavelmente, você será mais um a ficar com a pulga atrás da orelha. Veja por quê.

Um historiador espanhol, chamado José Garcia Alvarez, estudou Nostradamus por mais de 25 anos e, ao que parece, é o único, até o momento, que conseguiu interpretar suas profecias. E a história, por sua vez, acabou por confirmar a ocorrência de 820 das 1.000 quadras da obra de Nostradamus. Entre elas, as mortes de personagens históricos como Napoleão Bonaparte, Hitler, Stalin e João Paulo I.

O historiador também divulgou que, de acordo com seus estudos proféticos, a partir de 11 de agosto de 1999 começará uma seqüência de acontecimentos traumáticos que se estenderá até o fim dos tempos. E, pelo que me lembro, desde o bendito ano de 1999, acontecimentos terríveis como ataques terroristas, guerras, terremotos, furacões, acidentes aéreos, entre outros, se tornaram freqüentes. Não sei se uma coisa está diretamente ligada à outra, mas é, no mínimo, estranho.

Comenta-se, também, sobre um sol representado por um círculo com 8 raios composto pelo centro da galáxia e seu equador, bem como o equador terrestre e o eixo da terra. Segundo as previsões de Nostradamus, o Apocalipse acontecerá quando o Sol fizer esse alinhamento. O ultimo ocorreu em 11.012 A.C. O próximo, pelos cálculos de Nostradamus, será no ano de 2012.

Você pode estar pensando que tudo isso é uma besteira inventada por um homem que diz ser profeta durante seus momentos de loucura. Porém, a mesma versão para o fim dos tempos foi prevista por um povo antigo, conhecido por seu alto nível de inteligência para a época. Os maias, grandes engenheiros de seu próprio reino, desenvolveram um misterioso calendário que terminaria, coincidentemente, no dia 21 de dezembro de 2012. Para esta data, estaria previsto um alinhamento cósmico que mudaria o eixo da Terra, colocando um fim no mundo que conhecemos hoje e dando início a uma nova era para a humanidade, onde só os “bons” se salvariam. Coincidência ou não, o que nos resta é acreditar no que a ciência, completamente cética, nos diz, não é mesmo?

Na verdade, talvez seja melhor acreditar naquilo que lhe convém, já que nem a ciência tem boas notícias para nós. Dois cientistas dos Estados Unidos, os irmãos Terrance e Dennis McKenna, sugerem que o universo é um holograma de 64 ondas ou escalas de tempo, as 64 chaves da Árvore da Vida e os 64 cordões do DNA. A análise de seus computadores sugere que todas essas 64 ondas atingirão o ápice em 2012. Isto fará com que os próximos anos sejam um período de mudanças dramáticas. Eles afirmam que essas revoluções continuarão até 2012, para que as transformações passem a acontecer somente nas atitudes e mentalidade humana.

Bom, diante de tantas teorias, parece que a nossa geração foi premiada com um convite gratuito para assistir aos piores momentos da humanidade. Isso só não é pior do que o Brasil não ter outra oportunidade de sediar uma Copa do Mundo. Lamentável...

Ouça agora o podcast Profecia maia: o fim do mundo

Um poder invisível que ninguém deseja

2008-09-16T04:39:00.000-07:00

Matheus Costa

Invisível e sem valor. Assim se sente um morador de rua em cidades como Santos. O psicólogo Fernando Braga da Costa, autor do livro “Homens Invisíveis” explica que desprezamos quem dorme nas calçadas para não ter que lidar com o sofrimento. “Ou eu entro em contato com esse sofrimento e tento articular uma mudança que o retire disso, ou eu o torno invisível para eu próprio não sofrer”.

A mendicância sempre existiu ao longo da história. O que mudou foi a maneira como a encaramos. Na Idade Média, a mendicidade podia ser encarada como uma forma de purificação espiritual. Mas vivemos na sociedade do trabalho, em que ganhar a sua vida com o seu próprio trabalho é visto como sinal de autonomia e até mesmo de cidadania.

“A minha roupa é suja, a madame me ignora
Hã, passa por mim como se eu não fosse nada
Como se eu fosse uma lata caída na calçada,
Pois é, veja bem a lata tem valor pelo menos
Pro mendigo aqui é só desprezo, só fim de feira
Fruta podre do ceasa meu deus!”
(Face Cruel - O Mendigo e o Mundo)

Também na Grécia Antiga já havia o conceito de invisibilidade. Todo aquele que não exercia um papel social (como crianças e mulheres) era simplesmente desconsiderado como membro da sociedade. O repórter do jornal A Tribuna Thiago Macedo passou, no ano passado, dois dias vivendo nas ruas para tentar entender o mundo de quem não tem mais nada a perder.

“A rua é capaz de tornar uma pessoa invisível. Tive esta percepção ao vestir roupas surradas e enveredar por dois dias no universo daqueles que fazem das calçadas seu lar. Apesar de ser repórter, sentado ao lado dos moradores de rua na região do Mercado Central, senti que era imperceptível aos olhos dos trabalhadores que passavam por mim. Era como se não existisse. Como se fosse uma coisa à parte da sociedade.”

Isso explica porque, apesar de a mendicância ser tão execrada no Brasil, cada vez se vê mais moradores de rua pedindo esmola para viver. No livro "Moradores de Rua - uma questão social?", a pesquisadora Camila Giorgetti compara o tratamento recebido por mendigos de São Paulo e de Paris. Segundo ela, no Brasil essa questão não entra na agenda pública com relevância porque a sociedade não prioriza esse problema. Ou seja, se não rende voto, por que um político faria campanha sobre isso?

A vereadora de Santos Cassandra Nunes (PT) considera insatisfatória a preocupação das prefeituras com os moradores de rua. “Não há política pública efetiva de educação às pessoas que se encontram em situação de rua".
Em questão de números de abrigos populares, segundo a pesquisa de Camila, o Brasil não deixa a desejar. Mas muitos mendigos preferem a rua aos abrigos. Um pedinte que estava na avenida da praia disse que, todas as vezes que foi levado ao abrigo, não havia leito suficiente. “Para dormir no chão, durmo na rua mesmo, pelo menos vejo as estrelas”, disse o homem que aparentava ter mais de cinqüenta anos.

A Secretaria de Assistência Social de Santos afirma que entidades que dão comida e roupas atrapalham o trabalho da prefeitura, pois fazem com que os mendigos se acomodem nas ruas. Segundo Camila Giorgetti, essa é a principal diferença entre Brasil e França: enquanto lá a população apoiou entidades que tentavam dar alguma solução ao problema, no Brasil há sempre uma visão extremista. Ou se ignora, ou se extermina. Nessa mentalidade, à população só resta fechar os olhos.

Colaborou Isabel Carvalhaes

O arrasador rolo compressor sonoro do Muse

2008-08-19T17:29:00.000-07:00

Foto do show do Muse em São Paulo: Bruna Indalécio

Bruna Indalécio e Rogério Brandão

Foi na cidade de Teignmouth, na Inglaterra, que Matthew Bellamy, Chris Wolstenholme e Dominic Howard se conheceram e juntaram suas habilidades musicais para montar a banda Rocket Baby Dolls, hoje o furacão britânico conhecido por Muse. Como de praxe, as frustrações da vida foram pivô da criação das músicas do grupo, compostas pelo líder Matthew.

Filho de músico e de família rica, Matt teve que mudar sua vida por completo quando seus pais se separaram e foi morar com a avó. Em entrevista para um dos muitos sites dedicados à banda famosa que agora lidera, o inglês conta que perdeu as mordomias que tinha até os 14 anos, enquanto ainda vivia com os pais. Somando o fato de que a cidade que morava não contava com muitos atrativos para os jovens, ele recorreu à música. Era isso ou as drogas, como também declarou ao site.

Deixando bem de lado as questões éticas, de saúde ou quaisquer outras que o tema "drogas" pode levantar, a escolha de Matthew foi sem dúvida a mais certa. Aos 30 anos de idade e 14 de banda, ao lado de Chris (baixista) e Dom (baterista), ele fez com que o Muse entrasse no ranking, elaborado pela revista Classic Rock, das 50 melhores apresentações ao vivo de todos os tempos. Sem contar com os milhares de álbuns vendidos em todo o mundo e os prêmios que a banda recebeu durante a carreira, ainda em ascensão.

Mesmo com as comparações freqüentes com a também inglesa Radiohead, o Muse é original e tem como influências grupos como Queen e Jeff Buckey. Além disso, é uma das únicas bandas que conseguem reunir metaleiros, indies e groupies típicas de boy bands em um só ambiente. Isso ficou provado nos shows realizados na América Latina, mais especificamente nas quase duas horas de apresentação em São Paulo, no final de julho.

No ano passado, a banda alcançou o auge da carreira, após o lançamento do álbum H.A.A.R.P., que reúne hits de quase toda a carreira. Um show memorável num festival europeu chamou a atenção da mídia e ajudou a aumentar o número de fãs histéricos do grupo. O som pesado, bem trabalhado, com muitos efeitos, que soam como mágica, e o vocal meloso, falseteado, de Matt são a receita de sucesso da banda.

Um galope épico sobre São Paulo

Já eram quase 22h30 quando a introdução erudita de Dance of the Knights preencheu o HSBC Brasil. Foi o momento em que o trio pisou no palco, pegou as ferramentas de trabalho e emendou o galope épico de Knights of Cydonia para comoção geral do público. "You and I must fight for our rights/ You and I must fight to survive" brada Matthew Bellamy em tons que o aproximam do Freddy Mercury de Bohemian Rhapsody. A multidão, em meio ao empurra-empurra intenso, acompanhava a plenos pulmões, como se fosse uma torcida organizada de futebol.

Com apoio de apenas um tecladista, o trio britânico causou estragos ao distribuir a artilharia de bons singles dos álbuns Origin of Symmetry (2001), Absolution (2003) e Black Holes and Revelations (2006). Entre os principais, Newborn, Plug in Baby, Stolckholm Syndrome, Hysteria e Time is Running Out.

Se apenas uma palavra fosse usada para descrever o show, intenso seria o adjetivo ideal para expor o rolo compressor sonoro e visual do Muse sobre São Paulo.

Ouça agora o podcast UK Pop 2008, sobre o estado da arte do rock alternativo britânico.

Humor enlatado

2008-08-19T05:50:00.000-07:00

Paula Dinau e Rafael Molica

Um palco simples, sem grandes efeitos de iluminação; um figurino despojado, sem maquiagem ou muitas técnicas para esconder a imperfeição; um microfone; e uma platéia mais que disposta a rir. Se você está pensando que este é um cenário de uma peça de teatro, acaba de se enganar. Este é o estilo do Stand-Up Comedy que, em português, quer dizer literalmente comédia em pé ou no popular comédia de cara limpa. Apesar dos brasileiros terem adotado apenas o nome Stand-Up, a maneira de fazer comédia é a mesma criada nos Estados Unidos, durante o século XIX.

Hoje, ela está em vários barzinhos das capitais, em vídeos na internet, ou garantindo os minutos mais engraçados da televisão brasileira, sem desmerecer os programas humorísticos que insistem em colocar mulheres semi-nuas para fazer comédia. A verdade é que a simplicidade, a rapidez e os temas que envolvem o cotidiano são os elementos que fazem o sucesso desse velho-novo estilo de comédia.

José Vasconcellos foi o grande precursor do estilo cômico, seguido de Chico Anysio e Jô Soares. Mas foi em 2004, que o Stand-Up Comedy assistiu ao seu maior sucesso com a criação do Clube da Comédia Stand-Up. O grupo formado por Marcelo Mansfield, Rafinha Bastos, Marcela Leal, Oscar Filho e Danilo Gentili foi criado exclusivamente para fazer shows adotando o estilo americano de fazer humor. Um ano depois, surge o grupo carioca Comédia em Pé, criado pelos diretores e atores Claudio Torres Gonzaga, Fábio Porchat, Paulo Carvalho e Fernando Caruso. Hoje, muitos comediantes adeptos ao Stand-Up Comedy fazem sucesso nos happy hour dos barzinhos ou garantindo seus próprios espaços em programas televisivos.

O curitibano Diogo Portugal é um dos comediantes que mais fazem sucesso. Além do inconfundível sotaque, o artista arranca palmas da platéia com os personagens criados para retratar o cotidiano cômico de muitos brasileiros, como o office boy sem dinheiro que se envolve em situações bizarras como ir num motel barato e pedir o salário atrasado para o chefe. Diogo se apresenta em barzinhos, teatros, em programas de televisão e faz muito sucesso na internet, além do próprio blog, com piadas e críticas.

Quem curte o humor ácido do “CQC - Custe o que custar”, pode não imaginar que dos sete integrantes do programa, três trabalham com o Stand-Up Comedy. O programa assume não só um papel de crítico aos fatos que ocorreram ao longo da semana anterior, mas também improvisa nas piadas irônicas com políticos e celebridades, algo que o “Casseta e Planeta” faz de forma sem graça.

O apresentador do "15 Minutos" da MTV, Marcelo Adnet, de 26 anos, também começou com a onda do Standy-Up, mas conseguiu mais do que 15 minutos de fama. O programa é o mais assistido da emissora por jovens de 15 a 29 anos. Como o nome já diz o programa tem 15 minutos de duração e se passa dentro de um típico quarto de adolescente bagunçado. O segredo pode estar nas piadas improvisadas com violão ou nas imitações de alguns cantores, ao lado do personagem mascarado Kiabbo. A curta duração não apenas deixa um gostinho de quero mais no telespectador, mas é também serve de estratégia para o sucesso dos vídeos que ficam disponíveis no site da MTV.

Para quem não acha graça nenhuma em vídeo cassetadas, mulheres semi-nuas e pateticamente se fazendo de burras na televisão, a comédia Stand-Up é uma opção, como mostra o vídeo do comediante Diogo Portugal:

Grandes momentos em pequenas pecinhas

2008-06-10T05:28:00.000-07:00

Matheus Costa

À esquerda, foto de Henri Cartier-Bresson. À direita, reconstrução de Stimpson.

Ele tinha duas paixões. Fotografar e brincar com legos, aqueles pequenos objectos que fazem a delícia de crianças, jovens e maduros. A união dessas paixões resultou num trabalho simples, porém genial: Mike Stimpson reproduziu com fidelidade diversas fotografias famosas através de construções de lego. Pode parecer inimaginável fazer algo tão artístico com peças de lego, mas não é.

Entre os momentos da fotografia mais interessantes apresentados por Stimpson – também conhecido no Flickr por Balakov –, uma das mais poéticas reconstruções em lego foi feita baseada na mais conhecida fotografia de Henri Cartier-Bresson, em 1032, a “Behind the Gare Saint Lazare”.

E um grande momento da segunda guerra mundial também foi recriado em lego: o momento em que soldados cravam a bandeira americana em solo japonês, em batalha na qual morreram 20 mil japoneses e quase seis mil americanos. Apesar da simplicidade da foto de Stimpson, quem a vê imediatamente relembra a arte do fotógrafo Joe Rosenthal.

A famosa foto dos trabalhadores almoçando em uma viga durante a construção do edifício em Nova Iorque também ganhou uma versão do lego. Repare que a composição do lego foi detalhista. Embora não mostre toda a viga, os operários reproduzidos sempre aparecem com a mesma coisa que os operários da fotografia de Charles Ebbets têm nas mãos.

E o trabalho de Mike Stimpson também recebeu a mão de Deus. Não, não foi uma ajuda divina. Foi a reprodução do gol que Maradona fez com a mão, na copa do mundo. A versão de Thompson tem bola em movimento, com rastro e tudo mais.

Mas outra das grandes paixões do artista tem até uma área reservada em seu portfólio de fotografias: Star Wars. O fotógrafo recriou os personagens da série em várias situações, mas a melhor de todas, na minha opinião, é a que ele coloca Darth Vader andando de bicicleta pelo parque. A legenda diz: “Em um dia ensolarado parece um vexame gastar tempo viajando em transportes imperiais”.

Confira a entrevista com Mike Stimpson em Midlands Today:

Cineasta atormentado

2008-05-20T18:05:00.000-07:00

Bruna Indalécio

Assistir a alguma produção do cineasta David Lynch é como se deparar com um universo à parte. Lynch, que além dos vários filmes e curtas já dirigiu a série clássica Twin Peaks e alguns comerciais de TV, com o passar do tempo foi se tornando uma pessoa cada vez mais complexa e seus filmes recentes são espelhos da mente bizarra do diretor.
O genial norte-americano de 62 anos consegue colocar a cabeça de qualquer um para pensar e analisar suas histórias – ou pelo menos instiga o espectador a fazer uma tentativa, nem sempre bem sucedida, de entender sobre o que seus filmes se tratam. Prova de toda essa complexidade foi o lançamento de seu mais recente longa-metragem, “Império dos Sonhos”. A atriz principal, Laura Dern, que já havia trabalhado com o cineasta nos excelentes “Veludo Azul” e “Coração Selvagem”, afirmou à imprensa não entender o que se passava no filme que protagonizava. Lynch, por outro lado, para angustiar ou confundir ainda mais os curiosos, promoveu o filme sentado numa rua, ao lado de uma vaca.
Pensar que esse mesmo David Lynch atormentado e desafiador vem ao Brasil no próximo mês de agosto é no mínimo interessante. Descobrir que a vinda dele tem como objetivo lançar um livro de meditação é, como de praxe quando se trata do diretor, um acontecimento um tanto estranho. Mesmo com as investidas malucas de Lynch no cinema, ele diz ter um lado espiritual bem desenvolvido. Adepto à meditação, ele passará por São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte e Brasília para revelar um pouco sobre o seu lado zen, com "Em Águas Profundas: Criatividade e Meditação".
É engano achar que Lynch começou a carreira de forma comedida. Apesar dos clássicos mais “normais” – porém sempre característicos – do diretor, como “O Homem Elefante” e “Veludo Azul”, seu primeiro projeto cinematográfico, Six Figures Getting Sick, de 1966, mostra uma repetição inacabável de pessoas vomitando. O curta explora as três dimensões do quadro e revela apenas esboços e sombras de pessoas. Mais tarde, em The Amputee, de 1974, Lynch se travestiu de enfermeira, com direito a vestido e rabo-de-cavalo. A visão ousada do diretor sobre o mundo é definitivamente diferente de qualquer outra e em meio a todas as bizarrices, ele consegue transmitir em suas produções as diferentes concepções de realidades, percepções e desejos mais íntimos do ser humano.
Um dos trabalhos mais conhecidos e reverenciados de sua carreira é a série Twin Peaks. Cheia dos detalhes característicos de quase todas outras produções, como o uso de cortinas vermelhas, abajures e telefones pretos, a série conquista fãs até hoje por seu roteiro intrigante, inteligente e assustador. As participações de Lynch em Twin Peaks, somadas aos outros tantos personagens esquisitos, inspiraram o humorista estadunidense Chris Dotson a fazer hilários curtas, postados em seu site pessoal e no Youtube. Dotson, que se assume fã de Lynch, imita com perfeição a voz, o penteado e os cacoetes do diretor e usa truques conhecidos, como câmeras fixas em rostos de pessoas e objetos, além de vários personagens surreais.
Nem sempre é fácil deixar sua marca no mundo da arte. David Lynch faz o seu papel. Um dos muitos admiradores do seu estilo, Chris Dotson presta homenagem ao ídolo com as palavras em seu site: “Pelo que eu saiba, David Lynch foi a melhor pessoa que já pegou numa câmera. Esse é meu tributo ao homem que nos trouxe clássicos como ‘Veludo Azul’, ‘Coração Selvagem’, ‘Cidade dos Sonhos’ e Twin Peaks, somente para citar alguns”.

Assista a um trecho da série Twin Peaks

Vídeo:

A irmandade do Crime

2008-05-20T05:57:00.000-07:00

Anna Gabriela Ribeiro

O interior das penitenciárias, a formação de uma facção criminosa com influência em grupos políticos dos anos 70, o tráfico de drogas e o incrível mundo do crime, estas são as principais abordagens do livro CV_PCC A irmandade do Crime, do jornalista Carlos Amorim.

Reunindo documentos, fotos e reportagens, alimentado amizades com policiais e bandidos, freqüentando delegacias e favelas, o autor mergulhou no mundo dos crimes organizados e revelou em seu livro histórias curiosas e ações surpreendentes.

Um dos principais cenários do livro, é o presídio Cândido Mendes, na Ilha Grande, Rio de Janeiro, pode-se afirmar que Ilha Grande é o berço do crime organizado; de lá surgiu a principal facção criminosa do país, o Comando Vermelho. E diferente do que a maioria pensa, os integrantes do Comando Vermelho são pessoas bem instruídas, que gostam de ler e se comunicam muito bem; absorveram esse caráter intelectual através da convivência com os presos por lutas políticas, na década de 70, foi nesta época que o crime organizado surgiu, inspirados pela união e força de jovens que lutavam por um Brasil mais democrático. Carlos Amorim é cuidadoso ao escrever sobre os integrantes das facções, não os julga nem critíca seus atos, Amorim faz questão de mostrar o quão espertos e lutadores são.

É minucioso ao descrever a rotina dentro das cadeias, relata as brigas, as mortes bárbaras, as extorsões e subornos, como se ele próprio estivesse preso por anos. As fugas são descritas de uma forma em que você imagina as cenas de um filme de ação, e chega a torcer para que os presos consigam escapar, de tão planejadas e emocionantes são as fugas.

Histórias tristes de personagens reais, ao ler o livro você confunde-se ao tentar descobrir se está ao lado do bem ou do mal, afinal, qual é o bem e qual é o mal?
Fugas, perseguições, tiroteios e o tráfico de drogas. Ao ler o livro você percebe que o tráfico de drogas é o que sustenta tudo, é o que gera milhões de dólares, é o que traz estrangeiros para o país, o que financia o crime e o que gera muitas mortes. É tocante ler histórias de famílias que morrem por dívidas de drogas, dívidas que chegam as vezes a cinco reais! E cinco reais para certos traficantes, é o suficiente para matar um casal e uma criança.

O livro tem linguagem forte, necessária para nos inserir no contexto do crime organizado, o autor não censura nada, faz questão de mostrar que a sua pesquisa foi trabalhosa, apesar disto, o livro é de fácil entendimento e conta com diversas imagens.

Brothers of Brazil do Brasil

2008-05-13T06:06:00.000-07:00

Carolina Abreu

Mistura de João Gilberto com Johnny Rotten, do Sex Pistols. Ou como diria a dupla formada por Supla e João Suplicy , um certo “samba-punk”. Sim, eles mesmos, os filhos da ex-prefeita de São Paulo, Marta Suplicy, e do senador Eduardo Suplicy, formaram no final de 2007 o Brothers of Brazil.

O som é uma mistura contagiante, que deixa claro a personalidade de cada músico. É como se fosse uma soma, o punk do “Papito” mais a bossa nova do João. Além dos dois dividirem os vocais, Supla fica na bateria enquanto João toma conta do violão e piano.

A maioria das músicas é cantada em inglês, mas existem canções brasileiras também. Afinal, eles têm no samba a peça principal do quebra-cabeça. Com toda essa mistura, fico pensando se o Brazil dos brothers poderia ser escrito corretamente, mostrando assim essa combinação até no nome da dupla.

E quanto aos shows? Eles começaram pelo exterior e já fizeram apresentações em Londres, Nova York e Paris. Agora estão divulgando o trabalho no Rio de Janeiro e São Paulo. Mas como estão se tornando tão conhecidos sem terem feito tantos shows pelo país? A resposta é o MySpace, site em que é possível postar e ouvir música de graça.

A canção que mais faz sucesso no site é a Brothers of Brazil, o famoso abre-alas de uma banda. A que juntei todas as peças desse quebra-cabeça meio “samba-punk” foi na faixa Samba Around the Clock, onde as batidas são bem dançantes e é impossível ficar parada. Além dessas, as faixas Sometimes I wanna punch you e Stay tranqüilo também não ficam para trás. É um som distante e ao mesmo tempo presente. Além do Myspace da banda, existem alguns vídeos das apresentações da dupla disponibilizados no Youtube.

Espetáculo mágico com cara de sarau

2008-05-13T06:03:00.000-07:00

Laís Souza

Você gosta de teatro? Dança? Malabarismo? Poesia? Circo? Música? Então, com certeza, vai gostar do Teatro Mágico (TM) com “Entrada para Raros”. Em princípio é uma banda musical no decorrer do show, como um passe de mágica, forma-se um verdadeiro sarau, um espetáculo de apresentações que alegram e comovem a todos os participantes.

Todas as composições, feitas pelo líder do grupo, Fernando Anitelli, e todo o show têm a característica de tentar despertar no espectador o personagem escondido dentro dele, tanto que os componentes da banda se trajam de palhaços, para aguçar o lado lúdico de cada pessoa. É como se todos os que estão no ambiente fizessem parte de um grande espetáculo, onde cada um representa um personagem.

Anitelli teve a idéia de levar aos palcos a estrutura de um sarau: são malabaristas e trapezistas, bonecas de pano, pirofagia, poesia e encenações de teatro, tudo isso com o pano de fundo da mais popular música brasileira. O nome da banda originou-se da obra “O Lobo da Estepe”, do alemão Hermann Hesse.

Há quase cinco anos na estrada, já conseguiu atingir um grande público pelo Brasil, público esse que interage com muita empolgação nos shows, o que é muito diferente quando se trata de uma banda totalmente independente.

Com o apoio de amigos, e familiares eles conseguiram colocar o projeto para frente e divulgam suas músicas com os CDs, DVDs e também na internet, onde deixam a disposição todas as letras e cifras, além da possibilidade de baixar qualquer uma delas. Esse é um diferencial indispensável para o sucesso da banda. É a arte passada de boca-a-boca, de PC para PC.

O Teatro Mágico sempre aparece em evidência na mídia, já participou de diversos programas de televisão como o“Altas Horas”, “Fantástico”, “Jornal Nacional” e o “Programa do Jô”, na rede Globo; o “Todo Seu” na TVGazeta; o programa “Raúl Gil” na TV Bandeirantes; “Atitude.com” e “Hora do Esporte” na TV Cutura; entre outros. Além de participar do desfile da escola de samba paulistana Mocidade Alegre, a campeã em 2007. Suas músicas estão na programação de rádios como a Kiss FM, a Brasil 2000, a Rádio USP. Entre outras várias apresentações em grandes casas noturnas, teatros e eventos na cidade de São Paulo, o último grande evento em que participaram foi a Virada Cultural 2008, onde se apresentaram no palco principal na Avenida São João, no Centro de São Paulo.

Mas, nem tudo é uma maravilha, o TM também foi muitas vezes alvo de críticas, tanto por parte dos próprios fãs como da mídia. Em 2007, a revista Veja publicou uma reportagem citando a banda como “remelentos do rock”. Na ocasião, a revista criticou as letras das músicas e a forma de como os integrantes se comportam no palco. Tudo não passou de especulação e críticas sem nenhum fundamento, isso porque para alguns o TM é solução, quando para uns é um problema que precisa urgentemente ser tirado de circulação. Quando é que a grande mídia já gostou de ver as pessoas, principalmente os jovens, pensarem?

Enfim, de qualquer forma, o fato é que o TM existe, tem feito muito sucesso e está lançando seu segundo CD com o título “O Teatro Mágico – 2° Ato”, que já está na boca e nos PCs da galera. Esse promete arrasar tanto ou mais que o primeiro álbum “O Teatro Mágico Entrada para Raros”. O segundo CD será lançado no primeiro semestre deste ano, no Memorial da América Latina, em São Paulo e vai contar com um público de mais de 6 mil pessoas.

Santos foi uma das primeiras cidades que a banda se apresentou depois de Osasco, sua cidade natal. Sempre muito bem recebidos, eles são aguardados por vários fãs pelo menos uma vez por ano, e agora farão uma apresentação no dia 24 de maio, em pleno feriadão, na Capital Disco, na avenida Francisco Glicério.
Quanto ao resto? Bem... Não se conta o final de uma história quando se está convidando alguém para assisti-la.

>>Assista ao vídeo>> Anjo mais velho>> O Teatro Mágico

Top 10 celebrity freak show

2008-05-06T18:14:00.000-07:00

Podcast elaborado por Carolina Abreu e Michelle Mayumi.

O delírio do cachorro louco

2008-05-06T15:35:00.000-07:00

Alessandra Gouveia

Em 2007 o artista Guillermo Vargas, cansado de ver tanta gente no mundo morrendo de fome, resolveu protestar. Mas como uma artista protesta? Organiza uma passeata? Não, ele faz arte.

Foi isso que Guillermo fez, “resgatou” um cachorro abandonado e subnutrido, levou-o para uma galeria de arte, o deixou lá sem comida, sem água e o cachorro morreu de inanição. Aclamado na Bienal da Costa Rica de 2007 o artista vai representar o seu país na Bienal Centroamericana Honduras 2008.

É fato que muitas vezes a arte é feita para chocar, para manifestar o descontentamento com uma determinada situação. Talvez Vargas só quisesse acordar as pessoas do seu torpor diário e mostrar para elas a realidade de um mundo faminto. Mas qual o limite entre arte e crueldade? Se ele queria chamar atenção das pessoas para fome no mundo por que então não amarrou a si próprio na corda e passou dias a fio sem água e sem comida?

O mais impressionante é que ninguém fez nada. Muitas pessoas passaram pela galeria viram o que estava acontecendo e não esboçaram nenhuma reação. Não tentaram libertar o cão, nem denunciaram o artista.

É revoltante saber que indiretamente muitas pessoas compactuaram com Guillermo, compactuaram sim, porque a partir do momento que se omitiram diante de tamanha crueldade tomaram parte no processo. O que ele fez não pode ser considerado arte. Ele violou o direito do animal.

E para aqueles que não acham que os animais têm direitos, levanto uma outra questão sobre os deveres do ser humano para com os animais. Se eles como seres irracionais não têm direitos, nós como seres racionais deveríamos zelar pelo bem- estar deles.

Como Guillermo faz parte da linhagem dos seres racionais tinha o dever de proteger a vida daquele animal que abandou para morrer por puro capricho artístico. E agora o que nos resta fazer?

Acredito que boicotar a participação de Guillermo Vargas na Bienal de Honduras é o começo. Está circulando na internet uma petição solicitando aos organizadores do evento que impeçam Vargas de expor sua “arte” em naquele país .
Não podemos deixar que uma pessoa que se desumanizou em nome da arte e não cumpriu seus deveres como ser humano, continue sendo aplaudido pela sua psicopatia.

Divino, a vida e a arte de Ademir da Guia

2008-04-29T17:34:00.000-07:00

Arthur Godioso Moreira Pinho

Divino, assim foi Ademir da Guia, assim é o livro. A obra, lançada em 2001, foi escrita pelo maestro e escritor Kleber Mazziero de Souza, e a dificuldade que ele teve para fazer a obra, com certeza foi grande. Falar sobre um esporte que envolve tantas emoções, tentando passar todas elas de uma maneira clara, é muito difícil.

O livro é ótimo, muito bem escrito. Com toda a certeza, até os corinthianos e são paulinos (fora aqueles que fingem ser cegos) apreciariam a obra, como amantes do futebol.

Emoção. É esse é o espírito presente desde a 1° página, passando pela dedicatória, e chegando até a última página do livro. Mazziero parece ter vivido com Ademir.

A obra, que retrata toda a trajetória do craque, é dividida em três partes. Na primeira, chamada de Primeiro Tempo, é narrada a infância de Ademir da Guia, com histórias familiares, e a trajetória até chegar ao futebol, incluindo sua carreira no Bangu, de 1956 a 1960. A abertura do capítulo conta um pouco sobre carreira de seu pai, Domingos da Guia. A segunda parte é o Intervalo, na qual o grande destaque são as passagens extra-campo de Ademir. E a última e maior parte, denominada Segundo Tempo, conta a história do Divino no Palmeiras, de 1961 a 1977. Destaque também para o emocionante prefácio, escrito pelo craque Sócrates.

O livro é importantíssimo, pois remete aos amantes do futebol, uma época de ‘show’; na qual também existiam problemas, claro, mas não como esses vividos hoje, como as CPIs do esporte, a violência no estádio, a saída precoce de jogadores para a Europa, e até a falta de verdadeiros craques e camisas 10. Pais e avós contam histórias lindas, mágicas; Eu mesmo não vi Ademir jogar, mas sei de sua importância, para o Palmeiras e para o futebol. O falso-lento, encantava e ainda encanta. É considerado até os dias atuais, o maior craque da história do Palmeiras.

No livro também está presente a ficha técnica, com todos os jogos e gols do divino, além da escalação do Palmeiras e de seus adversários em diversos jogos importantes. Outro destaque é o tópico ‘seleção’, na qual Ademir foi muito injustiçado, vestindo poucas vezes a amarelinha.

O divino sempre foi simples, e com toques mágicos na bola, fez com que os olhos de milhares de torcedores brilhassem. A obra também é simples, porém muito rica em detalhes, fazendo com que até o mais novo torcedor de futebol, entenda tudo o que Kleber Mazziero de Souza passou em seus palavras. Ver os lances maravilhosos e emocionantes de Ademir, hoje em dia é impossível, mas para compreender a grandiosidade do Divino, basta ler a obra inteira.

Certa vez o ‘auto-profeta’ Ademir da Guia, quando ainda era reserva e ‘desconhecido’ no mundo do futebol, comentou sobre suas virtudes:
"As qualidades técnicas do Zequinha, que é o titular, são superiores às minhas. Porém, tenho comigo o que penso ser meu maior trunfo: a força de vontade. Com ela, posso vencer tudo que possa vir a impedir que me torne um grande craque".
Indicado primeiramente aos palmeirenses e fãs de Ademir, mas também para os amantes do futebol-arte, para os que sentem falta dessa arte, ou para os que querem fugir da bagunça que é o futebol atual.

... E, até hoje a torcida canta nas arquibancadas: “Ia, Ia, Ia, o Rei é o da Guia”.

Trecho do filme sobre Ademir da Guia - Um craque chamado Divino:

A música brasileira virou um livro rasgado

2008-04-22T16:19:00.000-07:00

Thiago Rosa

Ao ler uma matéria, neste mesmo blog, me senti intrigado pela cultura musical brasileira. Está certo, muitas coisas copiamos dos americanos e europeus. Será que não temos competência? Será que nós, brasileiros, donos da maior festa cultural do mundo não temos como controlar essa onda de globalização musical? Somos donos de histórias folclóricas ricas, tanto em criatividade como em autenticidade.

Quero deixar claro, antes de tudo, que não tenho nenhum preconceito pela música estrangeira. Até porque, muitos dos melhores músicos brasileiros foram e ainda são inspirados por músicos estrangeiros.

Nos últimos anos, na mídia, ressurgiram vários estilos musicais deformados, que acabaram denegrindo sua raiz. Foi assim com a música baiana, o samba, o rock e o forró, entre outros.

Tudo bem, não questiono gostos, mas acredito que se for para ouvir por ouvir, é melhor ficar com ouvidos tapados. Música é também para entreter, mas na maioria das vezes, o sentido principal é expressar, ou melhor, traduzir sentimentos.

A ganância da indústria fonográfica, fruto do capitalismo e da globalização incontrolada, faz com que gravadoras encham a gaveta de dinheiro. E o consumidor acaba não usufruindo de nenhum conhecimento, ou sensação de prazer, ao ouvir uma letra bem composta, ou uma melodia trabalhada. Tudo se resume a acordes repetidos, em uma melodia que dá para confundir, no mínimo, com seis ou sete músicas do mesmo grupo.

A pressa para colocar um produto novo no mercado, muitas vezes, faz com que o artista não se prepare para produzir sua canção. Música é como um livro. Uma vez ouvi de um professor que aquele que não lê o seu texto e o corrige, está, no mínimo, com preguiça.

Compor uma música é diferente de, simplesmente, fazer uma música. Para compor é preciso mais do que dom. É necessário ter o que falar, e saber do que falar. Compor é ter referência, embasamento, é estudar.

Às vezes penso que nasci na época errada. Tudo bem, devem existir milhões de músicos bons pelo Brasil. Mas repare, se você está na faixa dos 20 anos de idade, qual é sua referência musical hoje? Chico Buarque? Geraldo Vandré? Jorge Ben Jor? Vinicius de Moraes? Garanto que não. Apenas citei os mais famosos, que aparecem na mídia até hoje, por meio de regravações de sucessos que fizeram a “cabeça” de pessoas muito mais velhas.

A culpa não é minha, nem do vizinho. Seus pais? É, pode até ser que eles tenham uma parcela de culpa. Mas vamos nos colocar no lugar deles e pensar como seria difícil fazer um filho ouvir João Gilberto ou Luiz Gonzaga, hoje em dia. A culpa, caro leitor, é sua.

Antes, muitos diziam que não tinham acesso a boas canções, composições e melodias. Hoje, a história mudou. O excesso de informação acaba atrapalhando, uma vez que a tecnologia faz com que qualquer pessoa possa gravar um álbum inteiro e divulgá-lo sozinho, por meio da Internet. Isso é claro, se a pessoa souber mexer nos programas, já que a lei do mínimo esforço é o que conta.

O prazer de ouvir tornou-se simplesmente necessidade de entretenimento. A produção cultural tornou-se maior em quantidade e menor em qualidade. Assim como nós, ouvintes, os artistas são rotulados pelo estilo da roupa, pelo jeito de andar e até pelo jeito de falar. O que seria de Clementina de Jesus, com seus vestidos de renda, turbante na cabeça e porte físico “avantajado”? Macumbeira na certa! Ou de Nelson Gonçalves, um dos artistas que mais vendeu discos no Brasil em toda a história, com músicas que falavam de mulheres e amores platônicos – claro, em clima de boêmia? Um cachaceiro, provavelmente. Imagine se eles tivessem, hoje, 25 anos de idade? Como iriam sobreviver? De sua arte? Duvido.

Há pouco tempo, foi divulgado na mídia que Nelson Sargento, um dos maiores compositores de samba do País, estava passando por dificuldades financeiras. Vejam só, mais de 80 anos de idade, compôs músicas ao lado de verdadeiros gigantes da música brasileira, como por exemplo Cartola, Carlos Cachaça, Paulinho da Viola e Jamelão, entre outros, tendo que sobreviver por meio de doações anônimas. Tudo bem, alguns artistas como Beth Carvalho ajudaram o músico com shows e apresentações especiais. Mesmo assim, em que mundo vivemos? O verdadeiro artista não é respeitado, não tem valor.

O ser humano imitou os animais – como os meios de locomoção surgiram? Do nada? Descobriu a cura para doenças que antes eram fatais. Brincou de Deus e, a partir de uma única célula, conseguiu dar vida a outro ser exatamente igual.

Aqui cabe uma pergunta: como pode alguém aceitar um produto apenas pelo rótulo, ou pela cara bonita? Segundo alguns ditos populares, “não se julga um livro pela capa” e “os melhores perfumes estão nos menores frascos”. É o caso de Noel Rosa.

Para não ser hipócrita, confesso que gosto de muitos grupos novos. Admito que ouço muita coisa que não presta, mas sei dar valor para aqueles que merecem maior atenção. Só para não passar em branco, mais duas coisas. A primeira é a questão do ecletismo. Ser eclético, musicalmente, não é ouvir de tudo sem criticar, mas saber apreciar o que há de bom e de ruim. Ou seja, analisar se aquilo que você está ouvindo tem, realmente, algum sentido.

A segunda questão é um pouco mais complexa e refere-se aos produtos piratas. Creio que o músico, assim como um pintor ou um escritor, não está vendendo simplesmente seu álbum, ou seja, seu CD ou DVD. Está vendendo também seu trabalho, seu estudo para elaborar aquele produto, sua idéia, sua emoção. É realmente difícil analisar a questão do certo ou do errado sobre as pessoas comprarem ou não um produto falsificado. Quem sabe, em um outro artigo como esse, consiga produzir uma questão mais elaborada sobre o assunto. Por ora, posso dizer que alguns álbuns de músicas não têm nem sequer qualidade para serem pirateados.

Enfim, assim como toda arte, a música deve ser respeitada. E isso não só vale para nós, simples ouvintes e apreciadores, mas principalmente para produtores, donos de gravadoras, compositores e músicos. Acredito que o verdadeiro músico é aquele que, com um simples verso, consegue que o ouvinte pare o que está fazendo para prestar atenção na sua arte.

"Este país não tem memória. Alguém sabe quando morreu Chico Alves?É por isso que quero ser cremado: pra ninguém fazer xixi na minha campa".
Nelson Gonçalves

“O povo sabe o que quer, mas o povo também quer o que não sabe”.
Gilberto Gil

Vambora, Peréio

2008-04-01T16:43:00.000-07:00

Telmo Toledo

Narrador maldito de um lado; cineasta visceral de outro. Começou a nova temporada do Sem Frescura, programa do Canal Brasil com o ator e narrador Paulo César Peréio. Ele começa entrevistando Cláudio Assis, cineasta pernambucano que dirigiu os longas Amarelo Manga e Baixio das Bestas.

Entrevistador e entrevistado que adoram falar o que pensam, do jeito que pensam, sem medo de criar desafetos, Peréio e Assis protagonizaram uma entrevista que merecia mais tempo de duração, pois não foi possível escutar tudo que os dois tinham a dizer.

Pereio, ator lendário que participou do Cinema Novo, do Cinema Marginal e da Pornochanchada, continua participando da cena atual exibindo ironia, sadismo e o conhecido deboche. Ele começou o programa citando uma matéria da revista Caros Amigos, na qual o cineasta é considerado uma das pessoas que “fizeram a cabeça” em 2007. Lembrou, em seguida, da projeção dada a Assis pelo prêmio de melhor filme no Festival de Roterdã, um dos principais de cinema independente da Europa. Baixio das Bestas dividiu o prêmio principal com outras três produções.

Os dois concordaram que não deveria haver premiações, pois estas possibilitam a fragmentação da classe artística. Assis prefere as mostras, sob a alegação de que o cinema nacional é dependente de festivais porque não tem espaço para exibição. Ele denuncia o que considera ser a síndrome da colonização, onde alguém tem de dizer que você é bom para que o seu trabalho tenha projeção.

Para ele, quem deve decidir é o povo, não os jurados das premiações. A solução, sugere, é a adoção da política de exibição por parte do Governo, pois para ele o povo gosta de cultura, mas não tem acesso. E lembrou, ainda, que o ingresso de cinema é caro e que mais de 13 mil pessoas assistiram, em apenas nove dias, ao longa Amarelo Manga em Recife, quando foi exibido a um real.

Peréio cutucou pouco o inquietante convidado. Elogiou o Baixio das Bestas: “Eu gostei muito do seu filme”. E Assis agradeceu: “Que bom. Eu lhe respeito”.

Assis gosta das contradições, das inconseqüências, dos loucos (“Quem não é louco? Todo mundo é louco. Viva os loucos! Eu adoro louco”.), dos punks (“Eu odeio quem nunca foi punk. Quem nunca teve atitude. Tem que ter atitude. Ou a gente tem atitude ou a gente não é ninguém, rasteja.”), do gueto, do beco, de personagens marginalizados, da contestação e de provocar a reflexão na juventude por meio do cinema, que considera instrumento ideal para denunciar e combater o olhar viciado do povo brasileiro.

A entrevista ainda contou com trechos do longa Baixio das Bestas e do curta-metragem Texas Hotel, embrião do longa Amarelo Manga.

Nascido em Caruaru, uma cidade que era conhecida como a “Moscouzinha” do Nordeste, porque reunia muita gente de esquerda, Assis criticou o PCdoB, responsável pela administração de Olinda, onde vive o cineasta: “A pior coisa que inventaram foi essa coisa de partido, eu sou inteiro!”

E mais: “O Governo tem que dar acesso ao bem cultural”. Assis disse, está dito. Cabra da peste, pernambucano arretado. Cineasta necessário. Crítico, atento. Marcou presença no Sem Frescura. Recebeu até elogio do encrenqueiro e encrencado Peréio. Quem quiser ver a entrevista, eu tenho gravado. É só pedir e tomar cuidado para não perder.

Os Beatles estão ainda melhores

2008-03-25T17:57:00.000-07:00

Octavio de Sá

Não deve ser fácil escrever a biografia de uma grande banda. Pior ainda quando esta banda é a mais influente da história da música pop e já teve vários livros e documentários feitos a seu respeito. Como fazer para não ser repetitivo e trazer em relevo fatos desconhecidos dos fãs e leitores em geral?

Somando-se o processo de pesquisa e execução da obra, o jornalista e escritor americano Bob Spitz levou oito anos para concluir o livro, que é sem dúvida um dos mais minuciosos relatos já elaborados sobre a banda.

Lembro bem do primeiro contato que tive com a música dos Beatles. Tinha na época 11 anos de idade e comprei por acaso, ainda em vinil, um desses “Greatest Hits” que as gravadoras lançam de tempos em tempos. As músicas tiveram um efeito indelével em mim. Aprendi a tocar violão para poder tocar as canções da banda. Era o início da era dos CDs e todo dinheiro que eu juntava era para comprar os discos dos Beatles, um a um, até ter a coleção completa. E como aquilo mexia comigo.

Eu não entendia direito aquela coisa de psicodelia, o que significava realmente aquilo tudo. Ficava deslumbrado, ao deparar-me com a mudança da sonoridade de um álbum para o outro, de perceber como num breve período de tempo eles passaram de músicas e letras simples para algo musicalmente complexo, e por vezes non sense, mas que para mim sempre soava perfeito.

Nascia ali um beatlemaníaco convicto. Eu era um devorador de tudo que dissesse respeito ao conjunto. A impressão que eu tinha é que a qualquer momento participaria de um “quiz show” sobre a banda e teria a obrigação de ter todas as respostas na ponta da língua.

Pois bem, ao ler Beatles: A Biografia me confrontei com uma verdade: eu sei a respeito dos Beatles, mas o que sei, ou sabia, é irrisório dentro do universo de informações detalhadas que o livro traz.

Está tudo ali. Tudo mesmo! A história começa descrevendo a Liverpool dos anos 40; passa pelo nascimento e criação de cada um dos integrantes (o que ajuda a entender os perfis dos músicos); relata como eles se conheceram; os percalços até o estrelato; o fenômeno da beatlemania (sem precedentes na história da música); a originalidade e genialidade dos músicos que criaram técnicas de gravação, arranjos e conceitos inimagináveis à época; até as brigas e dissolução da banda. Tudo isso com um repertório de informações que impressiona. São quase mil páginas, que li consternado por chegar ao final.

Para quem é fã, dispensável dizer que se trata de leitura obrigatória. Para quem não é, a leitura se revela agradável, com uma narrativa leve, e uma boa razão para virar beatlemaníaco. Para quem não gosta da banda, sugiro que não leia mesmo. Afinal, quem tem mau gosto para música, também deve tê-lo para a literatura.

Após ouvir exaustivamente Beatles por muitos anos, deixei a banda de lado, por saturação. Ao ler o livro de Bob Spitz, tirei o pó da minha coleção e passei a ouvir incansavelmente as canções – agora já adulto e fazendo uma audição não só como fã, mas como músico que sou.

Cheguei a uma conclusão: a cada ano que passa, os Beatles ficam ainda melhores!

A vez do ParaPara

2008-03-25T05:55:00.000-07:00

Michelle Mayumi

Nos anos 70, a disco music dominava as pistas de dança brasileiras. Já no final dos anos 90, crianças, jovens ou mesmo adultos (talvez bem bêbados) se entregavam aos ritmos baianos e requebravam. Nos últimos anos, o funk carioca também saiu das comunidades do Rio de Janeiro e começou a tocar em festas e baladas em todos os lugares do Brasil. Talvez agora, em 2008 - ano em que é comemorado o Centenário de Imigração Japonesa – seja a vez do ParaPara.

Jovens paulistanos já entraram nessa dança que teve origem no Japão, na década de 70. Os japoneses estavam cansados dos movimentos e da música disco, por isso as boates introduziram um ritmo chamado eurobeat, que tinha uma batida mais rápida. A dança contagiou os nipônicos que, logo, estavam marcando disputas – estilo dance off (desafios nas pistas de dança).

Com os ensaios constantes, os pais desses jovens sempre diziam: “Lá vai o(a) garoto(a) dançar o ParaPara”. E ParaPara, em japonês, é similar ao lá lá lá ocidental. Foi então que a dança se popularizou como ParaPara.

Os não-iniciados consideram a dança, à primeira vista, algo muito estranho por causa dos movimentos frenéticos de pernas e braços, e também por fugir dos padrões de dança convencionais. Até um paralista (pessoa que sabe dançar) experiente como Rodrigo Yoshimoto confessa que, no primeiro contato, não teve muito interesse. No entanto, atualmente, ele faz parte de um dos melhores grupos de São Paulo, o Superpara, e é moderador do fórum oficial da Brazilian Para Para Dance Association, entidade tem como objetivo popularizar a dança por meio de eventos ligados à cultura japonesa. Por isso, este é considerado o ano perfeito para a explosão do Para Para.

Outro fator que tem impulsionado o crescimento de adeptos da dança é a tecnologia. Antes, os paralistas tinham que encomendar DVDs do Japão, mas agora, o YouTube e o Veoh disponibilizam material na web para que os interessados aprendam novas coreografias. Há jovens que já decoraram centenas de coreografias e até criaram novas, as chamadas oriparas. Os grupos de ParaPara também aproveitam a tecnologia para divulgar seus trabalhos. A possibilidade de trocar experiências e novidades por meio do Fórum de ParaPara também facilita a divulgação.

Os brasileiros assimilaram a culinária japonesa e tomaram gosto por filmes japoneses como O Grito e O Chamado. Animes e mangás movimentam um grande mercado e ganham mais admiradores a cada ano. Portanto, parece razoável a idéia de que o para para, um dia, será bem aceito. Afinal, só em São Paulo, a dança já tem mais de 500 simpatizantes. Outras cidades que também aparecem no mapa do para para são Rio de Janeiro, que tem o grupo Alpha, o mais antigo do País, e Brasília, com o emergente Fusion Team.

Mais do que uma dança, o ParaPara acabou criando uma tribo urbana, um microgrupo com afinidades, costumes, pontos de encontro, roupas e penteados inspirados nos japoneses que dançam o techpara (música com batida mais pesada) e apresentam particularidades no vocabulário. Só que o importante, mesmo, não é pertencer a um grupo, e sim, dançar e se divertir.

Revolução pela poesia

2008-03-18T17:27:00.000-07:00

Gabriel Uchida

Certa vez, conversando sobre poesia com um amigo de Moscou, disse me interessar por Maiakovski. A reação imediata foi espanto. Fui questionado sobre onde e como teria lido algo do poeta futurista russo, já que não falava a língua e, para ele, traduzir aquela obra seria impossível.

O próprio Maiakovski já afirmou: "Traduzir poemas é tarefa difícil, especialmente os meus". A questão principal é que ele não utilizava uma linguagem rebuscada, nem concisa. Maiakovski era exato com as palavras e, além disso, brincava com as formas. Por isso, é complicado achar uma tradução em português para algo cuidadosamente desenhado em outra língua, principalmente o russo. Porém, há algo evidente em sua obra: o amor pela revolução e pelas pessoas.

Maiakovski nasceu em 1893, na Geórgia. Com a morte do pai, foi para Moscou, onde conheceu melhor o socialismo. Antes disso, foi apresentado à revolução com materiais clandestinos enviados pela irmã. A paixão foi tão intensa que, em 1906, já na capital e com 15 anos, ingressou na facção bolchevique do Partido Social-Democrático Operário Russo.

A partir daí, o envolvimento e o amor com a política nortearam sua vida, e também sua poesia. Em 1917, a Revolução de Outubro foi um ponto marcante não só para a história mundial, mas como para a obra maiakovskiana. Com os czares fora do poder, foram abertas as portas para que o poeta e o povo vivessem algo que até então era um sonho.

Neste período, o poeta que também escreveu roteiros para cinema e peças de teatro, passou a se dedicar mais a desenhos e legendas para cartazes de propaganda soviética. Todos deveriam ajudar na revolução, que foi uma peça fundamental na máquina criativa chamada Maiakovski. Assim como o Chile de Allende fez a Pablo Neruda, a União Soviética foi a primavera do poeta. Porém, o outono chegou com a morte de Lênin em 1924, e depois veio o inverno, com Stálin no poder.

Apesar do autoritarismo de Stálin, inclusive na cultura, a temática utilizada por Maiakovski se manteve firme, assim como sua forma revolucionária. Houve quem não acreditasse na "arte proletária", mas, para os futuristas, a arte tinha responsabilidade com a sociedade e não estava separada da vida.

Portanto, fazer poesia para os trabalhadores era colaborar na revolução. Para isso, era imprescindível utilizar uma linguagem popular, quase falada, e romper com padrões métricos. De acordo com Maiakovski, "sem forma revolucionária não há arte revolucionária".

O comunismo foi para o poeta russo uma paixão, em momento algum cega e, além disso, criativa. A relação de Maiakovski com a revolução foi similar ao namoro da Bossa Nova com o Rio de Janeiro, muitos anos depois. E se a poesia futurista e proletária criada na Rússia teve seu papel na União Soviética, ela também foi luta em outros países que queriam se libertar da ditadura do capital e da arte burguesa e excludente.

Na Rússia, o próprio Partido Comunista se distanciou do povo. E no mundo, o sonho socialista foi se distanciando da realidade. Mesmo depois do suicídio, em 1930, Maiakovski permanece lutando, através de uma obra rebelde e apaixonada, sobretudo pela liberdade do povo e artística.

Traduza você mesmo

2008-03-18T16:31:00.000-07:00

Andressa Gonzalez

Um espetáculo que surpreende o público a todo o momento. Esse é o in-Traduza. Espetáculo de dança contemporânea dirigido por Míriam Carbonaro e realizado pelo Athos Núcleo Artístico, em Santos.

Com a fusão de dança, acrobacias circenses, música ao vivo, pintura de retrato, uso de cenários criativos e elementos cênicos inusitados, o espetáculo envolve a platéia durante uma hora. As músicas soam estranhas ao ouvido em um primeiro momento, mas pelo visto, a intenção é realmente incomodar, e fazer com que a pessoa perceba que este é um trabalho que foge da realidade do cenário artístico santista.

Interpretado por homens e mulheres, o espetáculo mostra momentos agressivos e outros mais suaves. O bailarino transparece o uso da força e da agilidade. Movimentos rápidos, precisos, quebrados cadenciados e combinados harmonicamente é a característica singular do fragmento coreográfico deste trabalho.

Diferentemente de muitos espetáculos que trabalham apenas com a cena no palco (como Skinnerbox, do Grupo Cena 11, e 4 por 4, da Cia. Deborah Colker, que são trabalhos excepcionais, mas na questão de espaço, utilizam apenas o palco) in-Traduza está próximo da platéia desde a abertura. Um tapete humano formado no chão é o caminho de entrada e saída do público ao teatro. Em seguida, a platéia encontra os bailarinos andando sem sair do lugar. Outro ponto que pode ser observado é uma brincadeira de falar e ouvir, sem produzir qualquer som, que os bailarinos fazem com a platéia.

Aqueles que assistiram e estão antenados com a arte contemporânea, puderam perceber que o in-Traduza é um trabalho que busca a descoberta das possibilidades de movimentos que o corpo humano pode executar. Trata também do diálogo exemplificado de diversas maneiras: diálogo entre pintor e platéia, entre os bailarinos, entre platéia e bailarinos.

Algumas pessoas do público são convidadas a assistir ao espetáculo de um outro ângulo, eles dividem o palco com o elenco e, uma única pessoa, assiste a tudo em uma cadeira pendurada por corda presa na vara em cima do palco.

Um dos momentos do trabalho mais inesperado e impactante é a roda dourada giratória onde as bailarinas caminham, se penduram, fazem poses e giram. Uma inovação aprovada pelos fãs da dança contemporânea.

O in-Traduza é um espetáculo que vale a pena conferir. Aos que ficaram curiosos e interessados pelo trabalho, dia 17 de abril, às 22 horas, haverá uma intervenção sobre in-Traduza no teatro do SESC, que fica na rua Conselheiro Ribas,136, no bairro da Aparecida, em Santos. E no dia 20, o espetáculo será apresentado no Teatro Municipal de Barueri, às 19h30.

Michael Jackson e seus Zumbis fazem aniversário

2008-03-18T07:01:00.000-07:00

Carolina Abreu

Em comemoração as bodas de prata do álbum Thriller foi lançado em fevereiro deste ano uma edição de aniversário. O disco contém todas as músicas do álbum anterior e conta com a participação de Fergie, Will.I.am e Akon. Além disso, ainda sobra espaço para uma faixa inédita For All Time. A edição especial com CD e DVD custa em média 35 reais.

O álbum Thriller foi o mais importante na carreira de Michael Jackson. Isso ninguém duvida. Além de ter sido a porta de entrada para o astro, o clipe que leva o mesmo nome do álbum revolucionou não só o comportamento da época, como quebrou várias barreiras.

História

É difícil falar de Michael Jackson e não causar impacto. A idade não importa, seja novo ou velho, alguém já falou ou ouviu sobre Michael Jackson, seja por seu comportamento atual considerado fora dos padrões, como as plásticas cada vez mais degenerativas, balançar o filho na janela, acusações de pedofilia ou interrogações sobre a perda da super casa dos sonhos: Never Land, enfim, Michael está na mídia constantemente.

Bizarrices à parte, Michael é considerado (foi, pelo menos) o Rei do Pop. Título que recebeu após a repercussão do álbum, que vendeu cerca de 100 milhões de cópias no mundo, tornando-se o mais vendido da história. Thriller foi lançado em dezembro de 1982 e ficou 37 semanas em primeiro lugar entre os mais vendidos. Além disso, o clipe quebrou uma importante barreira: a da discriminação racial. Thriller foi o primeiro clipe de um artista negro a ser passado na MTV. E a partir desse momento, houve uma revolução também na produção dos videoclipes. Além do conceito, os clipes passaram a ter preparos de filme, cada vez mais cresciam os gastos na produção da obra. Um VHS contendo o videoclipe e os bastidores vendeu cerca de 15 milhões de cópias tornando-se o mais vendido, o que se estendeu até 1997, quando perdeu o lugar para Titanic.
Além de Thriller, outras músicas também tiveram uma boa repercussão, como “Billy Jean” e “Beat it”, sendo essa a que Michael Jackson tem como marca registrada o passo “moonwalk”, em que ele desliza pelo palco de costas.

À moda gonzo

2007-12-04T15:05:00.001-08:00

Leonardo Marques

Hunter Thompson foi redescoberto. Mesmo depois de morto, ele ainda tem gás. Talvez seja fogo. Labaredas de fogo que se insurgem contra as regras caretas da sociedade contemporânea.

O arguto imoral com moral para discorrer sobre qualquer coisa e ainda por cima sair incólume das constantes críticas da oposição careta que não o deixava em paz só porque gostava de disparar uns tiros por aí e carregar uma faca que estava mais para uma espada estampou a capa da edição de outubro da revista norte-americana comportamental e ex-contracultural Rolling Stone.

Com o título Growing Up Gonzo, algo parecido como “Crescendo gonzo”, a reportagem mostra trechos da tão esperada biografia que acaba de ser lançada nos Estados Unidos – só lá, só lá – e que conta a história, baseada nos depoimentos de familiares, amigos, inimigos e simpatizantes, do inventor do jornalismo gonzo e da chapação desenfreada.

No Brasil, depois de anos fora de catálogo e extinto nos sebos, a Conrad Editora teve a feliz iniciativa de relançar o livro-bíblia do jornalismo gonzo, Medo e Delírio em Las Vegas. Outra novidade na terra das mulheres peladas é o lançamento do DVD Uma Espécie em Extinção, do diretor Art Linson, protagonizado genialmente pelo recém-cultuado Bill Murray.

O filme originalmente lançado em 1980 nada mais é que uma fiel estrutura caótica das míticas coberturas presidenciais que Hunter Thompson empreendeu na década de 70 para destruir o seu repugnante desafeto com corpo de tartaruga chamado Richard Nixon.

E não pára por aí. Já foi iniciada nas paradisíacas praias do Caribe a pré-produção do filme The Rum Diary, título homônimo do livro originalmente escrito em meados da década de 60 por Hunter Thompson e só lançado em 1998 na terra do Tio Sam. Aqui, o livro é conhecido como Rum: Diário de Um Jornalista Bêbado, e ainda se encontra no catálogo da Conrad Editora. Mais uma vez, Dr. Thompson será interpretado pelo seu grande amigo Johnny Deep.

Visual Kei: do Japão para o Ocidente

2007-10-30T10:59:00.000-07:00

Podcast elaborado por Rafael Colaço para o HiperKaos.

O gorfo hediondo de Terra em Transe

2007-08-28T18:15:00.000-07:00

Renato Santana

Poética política de Glauber Rocha. Há 40 anos estreava nos cinemas Terra em Transe, filme que trata de Eldorado, ilha ou país fictício, onde tendências e partidos políticos brigam pelo poder. Mostra o transe da América Latina, sendo derrubada por ditaduras militares, sem reação, com uma ampla crise de consciências. Soa como música ou poesia: não diz a mensagem como uma reportagem ou conta matemática.

Os travellings longos ocorrem em absoluto silêncio. Incomodam porque a todo momento o filme obriga o grito, a sublevação. Enquanto isso o povo, quando possui a oportunidade de falar, cala-se frente aos problemas. Terra em transe, o transe de uma época – passada? – que teve a consciência roubada e como a única alternativa era o silêncio terceiromundista, tudo se fez calar por não se ter o que falar.

As figuras políticas estão todas ali. Porfírio Diaz, o religioso conservador e megalomaníaco, porta-estandarte da bandeira negra fascista que empunha o crucifixo e serve à Companhia de Exploração Internacional – ponto de origem do país – que tem o pretexto de servir a Deus. O senador Diaz, odiando o povo, pretende coroar-se imperador de Eldorado para impor aos sub-homens eldoradenses sua toda-poderosa vontade de super-homem. Vieira, governador de Alecrim, província de Eldorado, é um demagogo populista que se elege à custa do voto dos camponeses e operários para depois, no poder, ordenar o fuzilamento de seus líderes. Don Julio Fuentes é a expressão máxima da burguesia progressista de Eldorado. Dono de tudo - minério, petróleo, siderurgia, imprensa, televisão - sente-se, em determinado momento, esmagado pela concorrência da Companhia de Exploração Internacional e, num furor impotente, admite aliar-se às forças populares para chegar ao poder. Fuentes, entretanto, é branco, e com os brancos se entende. No limite, manda ao diabo suas boas intenções nacionalistas.

E ainda há o poeta, figura representativa da política/estética glauberiana, Paulo Martins. O personagem se relaciona com todos, inclusive com os grupos ditos revolucionários. Mas todos estão longe do fogo do coração de Paulo e atuam como meros paus mandados de uma dialética esvaziada, esclerosada, tacanha e manipuladora.

A morte perpassa todo o filme. Os sentidos são diversos e sua revelação ocorre quando Glauber filma o velório e enterro de Di Cavalcanti e exala o cheiro de flores fúnebres abandonadas.

O filme influenciou a tropicália e movimentos marginais em todo o País. Foi o ponto mais afirmativo das idéias de Glauber: "Não dá para pensar em estética sem pensar em política". Para Nelson Rodrigues, que estava na estréia, a obra prova que o povo é débil mental, mesmo. Entretanto, a proposta de Glauber é de manifesto, programa de um partido político da utopia cinemanovista, estética que influenciou o cineasta francês Jean-Luc Godard.

Dejá-vú Godariano

Desculpe atrapalhar a sua luta de classes, mas para onde caminha o cinema político ? Pergunta uma moça grávida, com uma câmera nos ombros, para Glauber Rocha que, numa encruzilhada, aponta para a direita: "Tudo é divino maravilhoso. É preciso estar atento e forte, não temos tempo de temer a morte". E para a esquerda: "Esse é o cinema do Terceiro Mundo. 300 cineastas fazendo 600 filmes. Uma câmera na mão e uma idéia na cabeça".

Lead Peregrino

"Vigorosa e visionária alegoria política sobre o Brasil e a América Latina tendo como temas centrais o populismo, as utopias libertárias de esquerda e o concerto barroco de diversas culturas (africana, índia, branca), Terra em Transe tem um entrecho ficcional que já antecipa o questionamento de Glauber às noções ainda resistentes de trama e narrativa. Abolindo a ordem cronológica e adotando um acento fortemente operístico e carnavalizante, é um dos filmes-manifesto do Cinema Novo. A “história” se passa em Eldorado, país imaginário da América Latina, onde o poeta e intelectual burguês Paulo Martins vê frustrar-se a sua esperança de que o Governador da Província de Alecrim e líder político Dom Felipe Vieira (José Lewgoy) seria uma alternativa política ao conservador Dom Porfírio Diaz (Paulo Autran), ditador fascista que apela ao misticismo para preservar o poder. Entre estes, se interpõe a figura do capitalista Júlio Fuentes (Paulo Gracindo), que apesar de se declarar de esquerda acaba se aliando ao ditador Diaz. Ao lado de Sara (Glauce Rocha), uma intelectual comunista, Paulo Martins não vê outra solução a não ser a violência revolucionária suicida.

No elenco: Jardel Filho - PauloMartins; Paulo Autran - D. Porfírio Diaz; José Lewgoy - D. Filipe Vieira; Glauce Rocha - Sara; Paulo Gracindo - D. Júlio Fuentes; Hugo Carvana - Álvaro; Danuza Leão - Sílvia; Jofre Soares - Padre Gil; Modesto de Sousa - senador; Mário Lago - secretário de segurança; Flávio Migliaccio - homem do povo; Telma Reston - mulher do povo; José Marinho - Jerônimo; Francisco Milani - Aldo; Paulo César Pereio - estudante; Emanuel Cavalcanti - Felício; Zózimo Bulbul - Repórter; Antonio Câmera- índio; Echio Reis, Maurício do Valle, Rafael de Carvalho, Ivan de Souza".

Hélio Pellegrino, Jornal do Brasil, 1967 – data de lançamento do filme.

Trecho do Roteiro

PAULO - Depende.
JORDAN - Eu me sinto cansado. Sofri uma desilusão muito grande... Quando voltar ao Rio me procure... Podemos conversar com calma.
Lamartine se exalta, o Cardeal a seu lado.
LAMARTINE - Precisamos fundar novas cidades, abrir grandes estradas, construir escolas! Os detratores não sabem que Juscelino fez o mais importante Governo do Brasil: construiu Brasília, desfraldou a bandeira do nacionalismo, Três Marias, Furnas - a força do desenvolvimento, a aurora do nacionalismo nasceu deste homem cujos erros tinham a mesma grandeza de seus acertos... Precisamos de trezentas cidades no Amazonas, precisamos restaurar o espírito dos bandeirantes, o espírito do Pe. Antônio Vieira!
As vacas começam a berrar. Os vaqueiros cercam as vacas, montando nos seus cavalos. Começa um aboio Jordan e o Piloto levam Lamartine para o helicóptero. Bisquê idem. Silvino observa ao fundo. Sanfonas, movimento - divertem-se.
Paulo sente calor, alheio àquilo, bebe cerveja. Ouve o barulho do helicóptero.O helicóptero sobe, Silvino olha, Bisquê vem ao fundo, corre em direção a Silvino.
BISQUÊ - Grande homem, o Dr. Lamartine!
O Embaixador fixa Silvino, assustado. Silvino o abraça. O barulho do helicóptero.
SILVINO - O senhor vai servir aonde agora?
BISQUÊ - Gostaria de servir no México...
SILVINO - Qual sua posição política?
BISQUÊ - Um liberal conservador ou melhor um conservador liberal...

Silvino dá uma bruta gargalhada e bate na barriga do Embaixador. O helicóptero neste momento passa sobre elas, levanta o vento e espalha o ruído. Bisquê foi por terra, sob o vento, tenta se compor, Silvino sorri, Paulo entra em campo com o copo de cerveja, Silvino grita.
SILVINO - Embaixador, pra se subir no Governo Federal é preciso ser de esquerda. Comunista não, veja bem... De esquerda!
CAM sobe com música.
TRAV aéreo. Os vaqueiros cercam a boiada que se movimenta. O americano, no jipe, descreve um círculo, buzinando gritando como um cowboy.
CAM afasta-se, estoura uma música carnavalesca.
CORTE.Seqüência 6
TRAV. DESCONTÍNUO. Mulheres fantasiadas dançando histéricas. Estamos num baile de Carnaval, num Clube pequeno. Animação.Uma mulher loura dá um longo beijo em Paulo. Paulo fantasiado simplesmente, de marinheiro, afasta-se, um pouco bêbado e se dirige ao bar. Confusão generalizada. Consegue disputar um uísque.Subitamente atacam Paulo de lança-perfume e gritos e beijos. São Marina e Álvaro. Paulo, feliz com a descoberta, os beija.
TRAVS DESCONTÍNUOS. Corre o carnaval. Paulo, Marina e Álvaro se divertem, felizes.
Detalhes de um préstito, clima de sonho. Sucedem-se os préstitos, trombetas.
A Escola de Samba desfila, insólita e agressiva. Oscilam bandeiras.
Estoura o Baile do Municipal. São seqüências rápidas e fortes, dando a passagem de tempo do Carnaval.
TRAV LATERAL, veloz, passa levando Paulo, Marina e Álvaro, alegres, confundem-se com outros foliões, cresce.
Seqüência 7. Um bar marítimo.
TRAV LENTO, um grupo de foliões, madrugada de quarta-feira de Cinzas. Os foliões ainda cantam uma marcha-rancho, poética, As Pastorinhas.
Numa mesa estão Álvaro, Marina e Paulo. Conversam, informais, tontos e sonolentos. Esta cena tem um tom de sonho. A marcha-rancho ao fundo é substituída por outra.